JUAN LUIS MORAZA, INSTANTS SHARES

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

INSTANTS SHARES

Libro de artista con tres grabados originales relativos a tres emisiones de tiempo: cronónanthropón y aeternón

Autor: Juan Luis Moraza

Técnica: fotograbado, intervención y manipulación

Donación del artista, (2 de marzo de 2022)


La dedicación del artista es al mismo tiempo el epítome del trabajo, y su disolución en el instante pleno de la creación. La natural laboriosidad de la vida se intensifica allí donde excede la necesidad en el deseo. Pero la productividad destituye la excelencia del trabajo. Durante los últimos años, he realizado varias exposiciones en relación a la noción de “trabajo absoluto”, observando cómo nuestra entera existencia en las sociedades contemporáneas se ha transformado en productividad: trabajamos las emociones, trabajamos nuestro cuerpo, nuestras relaciones, nuestras formas de descanso, trabajamos nuestra imagen y nuestro futuro. Vamos admitiendo una progresiva extensión del tiempo y del espacio laboral, deslocalizado y sin horarios; el tiempo del proceso se sustituye por la instantaneidad del resultado o por la demora estratégica del proyecto; y hemos aprendido a convertir nuestro ocio en un sacrificio sin remuneración: Si no contribuye a un incremento de riqueza, vivir llega a ser considerado una forma de pereza.

A estas indagaciones sobre la experiencia del trabajo pertenecía la edición de la SERIE PRIMERA de billetes del BANCO INTERNACIONAL DE TIEMPO LABORAL, presentados el pasado Enero de 2020 en la exposición “tripalium” en la Galería Espacio Mínimo de Madrid. En ellos se ensayaba una reflexión sobre la capitalización y la simbolización del tiempo. En más de veinte idiomas, billetes con diferente valor temporal, desde 0,0001 segundos hasta 500.000 horas… desplegaban complejas iconografías y pequeños señuelos alegóricos, de acuerdo al tipo de estrategias simbólicas propias de la gráfica empleada por los Estados desde que asumieron el monopolio de la edición dineraria: en cada uno de ellos, la elección de cada detalle (idioma, valor, firmas, tipografía, iconos, ornamentos) configuraba una narrativa específica.

INSTANTS SHARES, el título común de las 3 obras creadas en esta ocasión para The Print Subscribers Club, se presenta como un nuevo ensayo sobre la experiencia y el sentido del tiempo, y sobre el modo fractal en el que el todo se incluye en cada parte. La edición de obra gráfica supone siempre compartir, formar parte de algo. Y pensaba que este proyecto era una ocasión para intensificar esa experiencia de reciprocidad y colaboración. Es en este sentido en el que la edición de ACCIONES DE INSTANTES se ofrece como símbolo: en su origen griego aludía al fragmento de una vasija que, tras una cena de amigos, se rompía para que cada uno de ellos conservase el σύμβολον – emblema, insignia y contrato – de la amistad. Por lo demás, lo que se comparte, lo que se ofrece y lo que se recibe, lo que se disputa y se sustrae, lo que se encuentra, lo que se tiene, y lo que se pierde, es siempre tiempo, alrededor del que se cifran las asociaciones y los conflictos humanos: pues la vida consiste en la intensidad y la cualidad de la vivencia del tiempo.

Cada título de cada una de las tres emisiones de instantes, supone así compartir un tiempo real, imaginario y simbólico. Las tres emisiones componen una suerte de trilogía: (I) la fugacidad del instante, que se escapa a la consciencia y que es evocado en las experiencias transtemporales del éxtasis corporal, emocional o intelectual; (II) el transcurso de la vida, y su irrevocable límite; (III) la amplitud inconmensurable, punto de fuga de todos los cálculos y las idealizaciones sobre el infinito.

PRECISIONES ICONOGRÁFICAS

0. Elementos comunes.

La imagen del fondo es común a las tres series, y es el resultado de la superposición de un campo fractal de Mandelbrot, y la transcripción en código binario (ceros y unos) de un texto apócrifo de Jacques Derrida sobre el instante de la creación y la etimología, titulado LAPSOS (2020). Cada uno de los Títulos de acción diferida, contiene como fondo una cuarta parte de esta imagen común. Y en cada una de las tres emisiones adquiere una tonalidad diferente.

En la mitad superior de la estampa, aparece toda la información técnica de la emisión, que incluye el valor temporal, capital emitido, etc.. En la parte lateral derecha de esta mitad superior, aparece la numeración de cada Título marcada mediante un pequeño troquel circular que identifica en cada Título el número al que corresponde dentro de los 60 de la edición venal (1/60), del ejemplar b.a.t. (I/I), de los 5 títulos de archivo (I/V), o de las 2 pruebas h.c. (1/2). Del mismo modo, en el margen izquierdo, aparece la información que permite la numeración de las XXV pruebas de artista (l/XXV). La mitad inferior de cada Título, incluye 28 recibos de dividendos ordenados del 28 al 1 (de acuerdo a un calendario lunar).

Cada uno de los Títulos de cada una de las series de la trilogía está firmado y numerado tanto en el anverso -como parte de la iconografía de la edición- como en el reverso -en su forma convencional- donde el logotipo de la entidad emisora -BANCO INTERNACIONAL DE TIEMPO LABORAL- (mediante un sello seco) aparece en relieve. Es una edición castellano-inglés.

I. Se considera que el cronón es el mínimo tiempo en el que puede ocurrir algo. Es el instante más fugaz, que se escapa a la consciencia y que es evocado en las experiencias transtemporales del éxtasis corporal, emocional o intelectual. En esta “acción”, el fondo común tiene una tonalidad naranja. Sobre este fondo, y en tono rojizo, una superposición de tramas abstractas rememora el tipo de ornamentación de los pliegos administrativos y los títulos, generando un plano envolvente en el que se recorta la numeración correspondiente al valor temporal de la acción (5,39106 x 10-44 segundos). Este plano incluye también, en la zona central, la imagen del centro del fractal, del que el fondo de cada Título muestra una cuarta parte en una de sus esquinas. Y sobre este plano, en un tono mucho más oscuro, se superpone toda la información de la emisión: En su parte superior central, el logotipo de la entidad emisora; y en la parte inferior de la mitad superior, se incluyen las firmas de Max Plank (el físico que determinó el cuanto de distancia en la que se desvanecen las leyes macroscópicas, a partir del cual se otorgó sobrenombre al “cronón” como “tiempo de Plank”) como SECRETARIO, de Teresa de Jesús como TESORERA, y la firma autógrafa del autor, como Miembro Delegado.

II. Cada una de las 93 acciones de la segunda serie, despliega un capital de 634.539 horas (1 anthropón), que es el cálculo de la media internacional de esperanza de vida para 2021 (72,386379192334 años), la cifra del irrevocable límite de la existencia humana. Es el tiempo de la incertidumbre y de la confianza, del error y del deseo. Sobre el fondo de una plantilla cartográfica en un tono verde vegetal, esta acción sugiere el contraste cromático entre amarillo y negro, que tanto en el universo de los insectos y reptiles como en el contexto humano, se asocia a una advertencia de peligro. Así, tanto la información sobre el valor temporal del título, como los detalles ornamentales y las firmas, contrastan en negro sobre el fondo amarillo cadmio del fondo común. También en los Títulos que componen esta emisión aparece el logotipo del BANCO INTERNACIONAL DE TIEMPO LABORAL. El ribete ornamental que bordea la parte superior del título, plagado de enredos geométricos, tiene forma de un ortógono abierto en su arista superior, que se cierra con la imagen de la estructura de un puente industrial. Y otra estructura de puente se añade a la arista inferior. Sobre el centro del puente superior se superpone la imagen de un compás trípode utilizado para medir la curvatura de planos espaciales. Y finalmente se incluyen las firmas de Jacques Derrida como Secretario, de Camille Paglia como Tesorera, y la firma autógrafa del autor, como Miembro Delegado.

III. La tercera serie dispone un capital de 10.000 trillones de eones. Se considera que esa cifra, que equivale a 1038,5 segundos (aeternón) es el mayor lapso de tiempo con significado físico. La escala temporal de cada una de las acciones escapa a la experiencia humana: algo más de 943 cuatrillones de años… Su amplitud inconmensurable es el punto de fuga de las idealizaciones sobre el infinito. La iconografía de esta serie es una superposición de múltiples niveles, muy lineales, que incluyen en color plata la imagen de un laberinto, las figuras de los 64 hexagramas del “Libro de las transformaciones” (I Ching), las pautas de una partitura sin notas, un esquema de líneas compositivas de arquitetura sagrada hindú, un signo hindú de infinito y una botella de Klein (una superficie topológica que no encierra nada en su interior, como un plano infinito en referencia al espacio tridimensional). Y en colores púrpura y negro, una efigie bifronte con los rostros de Dante Alighieri y de J. L. Borges, que corona el dintel superior, un basamento de configuraciones cristalográficas levemente simérica un reloj de arena vacío en horizontal y la notación musical correspondiente a un calderón (que indica un lapso que prolonga la duración de las figuras musicales a las que afecta). Además de la información del valor temporal, y la referencia a la entidad emisora, aparecen las firmas de un Dante Alighieri como Secretario, de Jorge Luis Borges como Tesorero, y la firma autógrafa del autor, como Miembro Delegado.

Promovido por THE PRINT SUBSCRIBERS CLUB, el BANCO INTERNACIONAL DEL TIEMPO LABORAL realiza, de forma exclusiva tres emisiones diferentes de TIEMPO, con el siguiente CAPITAL:

I. La primera serie dispone un capital social de 1 cronón: 5,39106 x 10-44 segundos (0,0000000000000000000000000000000000000000000539106, que se considera el intervalo temporal más pequeño que puede ser medido) dividido en 93 acciones de 5.796839x 10-24 yoctosegundos (cada yoctosegundo equivale a la cuatrillonésima parte de un segundo). Se considera que el cronón es el mínimo tiempo en el que puede ocurrir algo. Es el instante más fugaz, que se escapa a la consciencia y que es evocado en las experiencias transtemporales del éxtasis corporal, emocional o intelectual.

II. La segunda serie dispone en un capital social de 59.012.127 horas, dividido en 93 acciones, cada una de las cuales representa 634.539 horas (1 anthropón), que es el cálculo de la media internacional de esperanza de vida para el 2021 72,386379192334 (años), es la cifra del irrevocable límite de la existencia humana.

III. La tercera serie dispone un capital de 10.000 trillones de eones (1038,5 segundos), dividido en 93 acciones de 943847072879330943847072879330943 horas. Se considera que esa cifra de 1038,5 segundos (aeternón) es el mayor lapso de tiempo con significado físico. La escala temporal de cada acción escapa lo experiencia humana: algo más de 943 cuatrillones de años… Su amplitud inconmensurable es el punto de fuga de las idealizaciones sobre el infinito.

Esta trilogía de emisiones convoca un juego en el que la acción es una forma de participación sobre la experiencia y el sentido del tiempo, y sobre el modo fractal en el que el todo se incluye en cada parte.

Cada participación comparte la unidad de un capital que pertenece a todos los accionistas, que en su conjunto participan de y en la acción de la emisión. Y este sentido de reciprocidad convierte al coleccionista en accionista del arte.

BIOGRAFÍA DEL ARTISTA

juan luis moraza

Becario RAER 1991-1992

1960 (Vitoria, España)

Vive y trabaja en Madrid.

Juan Luis Moraza viene realizando exposiciones desde 1980, y ocupa un lugar relevante entre los artistas españoles, con obra en importantes museos y colecciones nacionales e internacionales. Ha representado a España en la Expo92 de Sevilla, en la Bienal Sao Paulo de 1994, en la Internacional Bienal de Obra Gráfica de Ljubljana de 1995; y ha presentado sus obras en la Bienal de Venecia de 2001. Entre sus últimas exposiciones individuales cabe destacar, “tripalium” (Espacio Mínimo. Madrid, 2020), “de oficio” (Estrany-de la Mota. Barcelona, 2017), “trabajo absoluto” (MAC. Coruña. 2016), “república” (Reina Sofía. Madrid, 2014); “IMPLEJIDADES” (Montehermoso. Vitoria, 2009), S¡ (Elba Benítez. Madrid, 2004); “Interpasividad” (K.M. San Sebastián, 1999)… Entre sus trabajos como ensayista cabe destacar “Estética del límite. Marcos y pedestales como dispositivos de discontinuidad”, “Corduras” (2008), “Ornamento y Ley” o “MA(non é)DONNA. Imágenes de creación, procreación y anticoncepción”, junto a numerosos ensayos en libros de colaboración, revistas especializadas y catálogos. Ha comisariado exposiciones como “Incógnitas: cartografías del arte contemporáneo en Euskadi” (Guggenheim Bilbao, 2007), “El retorno de lo imaginario. Realismos entre XIX y XXI” (Museo Reina. Madrid, 2010), o “Tesoro público. Economías de realidad” (ARTIUM. Vitoria, 2012).

 

Le due differenti fasi della tensione – Alán Carrasco

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

OBRA


Le due differenti fasi della tensione [las dos FASes diferentes de la tensión] (2021)

Instalación. Rótulo luminoso en neón LED, transformadores, herrajes de acero e instalación eléctrica.

32 x 1100 cm.

El 14 de noviembre de 1974, apenas un año antes de su asesinato, Pier Paolo Pasolini escribiría su célebre “escrito corsario” titulado “Cos’è questo golpe? Io so” (¿Qué es este golpe? Yo lo sé.) en el periódico Corriere della Sera. En el contexto de los convulsos Años de plomo italianos, el autor afirmaba conocer “los nombres de quienes controlaban las dos fases diferentes –de hecho, opuestas– de la tensión”, en referencia a los nombres detrás de la autoría, material e intelectual, de las matanzas que se habían orquestado hasta la época. Para subrayar el carácter premonitorio del escrito de Pasolini, esta obra alude a los atentados de la Piazza Fontana (12 de diciembre de 1969) y de la Estación Central de Bolonia (2 de agosto de 1980), un macabro paréntesis que sostiene en gran medida toda la violencia de ese periodo.

El rótulo de neón, producido en el contexto del centenario de su nacimiento, parte de un fragmento de la afirmación de Pasolini, reproducido en la tipografía de su máquina de escribir, la Olivetti Lettera 22. La instalación permanece apagada durante todo el día, excepto en el periodo que va de las 16:37 a las 10:25, horas respectivas de los atentados citados. En un pequeño gesto poético que pretende arrojar luz sobre tan infames actos, la inquietante frase nos recordará durante las horas de menos luz del día que la “strategia della tensione” fue, ante todo, una operación política.

BIOGRAFÍA


ALÁN CARRASCO

Alán Carrasco es artista visual e investigador doctoral. Su producción artística está conceptualmente ligada a su trabajo de investigación teórica. Así, su obra se centra en los mecanismos de construcción de los relatos oficiales, prestando especial atención a estrategias narrativas como la inducción selectiva de memoria y de olvido y la función de la iconoclastia. Está especialmente interesado en los márgenes de los relatos históricos y en el análisis de las razones por la que algunos aspectos y actores fueron sistemáticamente eliminados de los mismos. En proyectos recientes ha trabajado también con lo que llama «posibilidades de la historia», es decir, eventos de cuya verosimilitud no estamos seguros pero que son, en todo caso, plausibles.

Su trabajo se ha expuesto en MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona; CAB Centro de Arte Contemporáneo de Burgos; Sala Amós Salvador, Logroño; Maus Contemporary, Birmingham; Whitebox Harlem, Nueva York; BIENALSUR Bienal Internacional de América del Sur; Lo Pati Centre d’Art de les Terres de l’Ebre; Centro de Cultura Contemporánea Hiriartea de Pamplona/Iruñea; Württembergischer Kunstverein, Stuttgart; Centro Cultural de España en Lima; Arts Santa Mònica, Barcelona; y la Academia de España en Roma, entre otros. Ha recibido diversas becas y premios, como la Beca MAEC-AECID para realizar la residencia artística en la Academia de España en Roma (2021), el Premio MANGO al mejor artista emergente durante Swab Barcelona Art Fair (2020), la residencias de intercambio entre Casa de Velázquez y Hangar (2019), el Premio Art Nou a la mejor exposición individual (2019), el Programa de residencias SAC – FiC (2018) o la Beca Agata Baum de Bernis para artistas del Goethe Institut y la Beca Baden Württemberg-Catalunya (2016).

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VOCES Y CULTURAS GRABADAS (repetición y diferencia) – mesa de debate

“VIDEOGRAFÍAS: VOCES Y CULTURAS GRABADAS (repetición y diferencia)»

MIÉRCOLES 2 de marzo de 2022 a las 19:00 (GMT+1)

 

3ª mesa de debate, parte del proyecto Videografías. La Cultura entre las Cámaras derivado de la exposición online www.reactivandovideografias.com

Debate online y presencial

Presencial:
Plazas limitadas, imprescindible reservar. Si desea reservar, info@accademiaspagna.org

Online: se retransmitirá desde los canales de la Real Academia de España en Roma

Esta mesa pretende tratará temáticas que se reiteran y singularizan en las obras que conforman Reactivando Videografías: Identidades, descolonización, feminismo, violencias, intimidad, cultura… La riqueza y diversidad de focos, formas y voces del trabajo videográfico de esta muestra la convierten en un significativo y sugerente retrato de la complejidad de mundos de vida.

Desde la grabación documental y etnográfica hasta las formas híbridas de ficción y autoficción, las posibilidades de la creación audiovisual se mueven en un riquísimo gradiente donde hay lugar para la realidad sin filtros y la infiltración de una cámara que ve sin ser vista, hasta la complicidad de la historia creada, representada o imaginada a partir de aquello que punza a quien crea, sea íntimo o culturalmente compartido. En esta mesa buscamos la oportunidad de hablar de nuestras culturas hablando de sus creaciones. Para ello proponemos una conversación entre varios de los comisarios, comisarias y artistas participantes en el proyecto.

La riqueza y diversidad de formas y voces del trabajo videográfico contemporáneo lo convierte sin duda en un significativo y sugerente retrato de la complejidad de mundos de vida. Desde la grabación documental y etnográfica hasta las formas híbridas de ficción y autoficción, las posibilidades de la creación audiovisual se mueven en un riquísimo gradiente donde hay lugar para la realidad sin filtros y la infiltración de una cámara que ve sin ser vista, hasta la complicidad de la historia creada, representada o imaginada a partir de aquello que punza al creador, sea íntimo o culturalmente compartido. En esta mesa buscamos la oportunidad de hablar de nuestras culturas hablando de sus creaciones. Para ello proponemos una conversación entre varios de los comisarios, comisarias y artistas participantes en el proyecto. ¿Qué decimos y qué mostramos en estas obras?, ¿qué ocultamos?, ¿Qué reiteramos y que nos diferencia? ¿en qué medida los intereses y temáticas que trabajan artistas y comisarios nos permiten conocer la complejidad que habitamos en sus sintonías globales y puntos de intensidad local? ¿quiénes son los sujetos de esos discursos? ¿Cómo narramos, cuáles son nuestras escrituras y medios, nuestros recursos, formas de decir y estrategias? ¿Qué los diferencia de otras creaciones audiovisuales? ¿Cómo estas creaciones dialogan con otras prácticas que se difunden y habitan la cotidianidad de las redes?

Coordina:

REMEDIOS ZAFRA, ensayista y Científica Titular del Instituto de Filosofía del CSIC. Ha sido profesora universitaria de Arte, Antropología, Políticas de la Mirada y Estudios de Género. Orienta su investigación al estudio crítico de la cultura contemporánea, el feminismo y la creación. Es autora de los libros El Entusiasmo. Precariedad y Trabajo creativo en la era digital (Premio Anagrama de Ensayo y Estado Crítico) Ojos y capital, (h)adas (Premio Meridiana y Público de las Letras), Un cuarto propio conectado y Netianas. Forma parte del Patronato de la Real Academia de España en Roma. (www.remedioszafra.net)

Participantes:

IRIS LAM, gestora cultural, curadora, investigadora y docente. Trabaja en el Centro Cultural de España en Costa Rica, dirige la organización de gestión cultural estratégica Global Metro Art y es profesora investigadora en la Universidad de Costa Rica. Sus proyectos se desarrollan en las disciplinas de las artes visuales, la experimentación, el video y los nuevos medios; con temas relacionados a los derechos humanos, migración, feminismo, LGTBIQ, sinología y mercado artístico-cultural.

ESTIBALIZ SÁBADA MURGUIA, artista y doctora en Arte e Investigación. Becas: Academia de España en Roma 2018 y 2016, Beca Multiverso BBVA, Beca Art i Natura, La Cité Internationale des Arts de París, Fundación BilbaoArte, Museo Artium y VEGAP. Exposiciones en el MUSAC, Matadero, Centro Centro y proyecciones de vídeo en el MNCAR Madrid, MACBA , Fundació Antoni Tàpies y CDAN. Además, ha dirigido diferentes seminarios sobre prácticas artísticas, activismo y feminismo en centros como Arteleku, Sala Rekalde, o Tabakalera.

GLADYS TURNER BOSSO, arquitecta, investigadora y curadora independiente. Miembro del Consejo de Exposiciones del Museo de Arte Contemporáneo de Panamá (MAC-Panamá). Miembro del equipo curatorial de la X Bienal Centroamericana (2016). En 2012 escribió para "De mi barrio a tu barrio. Streetart in Mexico, Central America and the Caribbean" del Goethe Institut. En 2015 escribió para la antología “Entre Siglos. Arte contemporáneo de Centroamérica y Panamá” editada por la Fundación Rozas-Botrán de Guatemala.

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CONVOCATORIA DE BECAS 2022/2023 – REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

Convocada la nueva edición de los Programas de Becas MAEC-AECID para residencias en la Real Academia de España en Roma, curso académico 2022-2023

Plazo de presentación de solicitudes:  del 8 al 22 de marzo de 2022

El periodo de duración de las becas comprenderá entre el 1 noviembre 2022 y el 30 de junio 2023

Enlace a la sede electrónica de la AECID

L’ARTE DELLA FOLLIA

La Real Academia de España en Roma presenta la performance creada por la ACCADEMIA DELLA FOLLIA el próximo viernes 18 de marzo a las 18.30 h. Dirigida por Antonella Carlucci, con la participación de Marzia Ritossa, Gabriele Palmano, Pavel Berdon, Darko Kuzma y Giuseppe Feminiano.

Versos de trovadores y obras de teatro se moverán en los sugerentes espacios de la Real Academia de España para presentar el nacimiento y método de trabajo de «L’Accademia della follia», fundada hace más de treinta años en el antiguo Hospital Psiquiátrico de Trieste (TECNICA + FOLLIA = ARTE).

Asistencia previa reserva hasta completar aforo: prenotazioni@accademiaspagna.org

Dibujos de  Luca Bencich

La residencia de Pantxo Ramas en la Real Academia de España en Roma durante el curso 2019/2020 sirvió para el desarrollo de Palimpsesto Basagliano. En este proyecto, el artista abordó las prácticas artísticas colectivas que siguieron al cierre de los manicomios en Italia y, en concreto, Trieste desde 1971 tras las denuncias de Franco Basaglia sobre el lamentable estado de los mismos. Así, este psiquiatra italiano contribuyó a una nueva concepción de los espacios de salud mental.

Este trabajo sirvió para establecer una colaboración entre la Academia española y la “Accademia della Follia”, un proyecto teatral y cultural fundado por Claudio Misculin, Angela Pianca y Cinzia Quintiliani que integra actores en situación de riesgo psíquico y físico con el fin de dar voz a los protagonistas de los cambios sociales anteriores a través del Arte en sus más diversas manifestaciones. Los 30 años que cumple esta iniciativa en 2022 dan buena cuenta de su éxito, a lo que se añade su presencia en Europa y América Latina junto con la participación de autores como Giuliano Scabia o Dacia Maraini.

 

Miguel Ángel Tornero

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA
TOMAR LA CASAEXPOSICIÓN de nave oporto

Desde el 29 de enero de 2021 hasta el 30 de abril de 2022

 

OBRA


Piano bar, 2022

Filtros de Instagram específicos sobre algunos de los cuadros expuestos en el Salón de retratos de la Real Academia de España en Roma.

Pulsa aquí para escuchar al artista.

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Gracias a la tecnología digital, varios de los retratos de los primeros pensionados que nos observan en este salón van a entonar una misma canción: Il giardino proibito de Sandro Giacobbe. Esta canción melódica fue un gran éxito en los años setenta, de ida y vuelta en ambos países, y ahora suena junto al piano, en lo que parece ser parte de una fiesta, cualquiera de las que, desde siempre, surgen improvisadamente.

En esta instalación, se remite, por un lado, a esos momentos espontáneos de celebración que cualquier residente ha podido vivir. Pero al mismo tiempo, Miguel Ángel Tornero no se ampara en la falsa ingenuidad de una tradición repetida una y otra vez para la permanencia de los roles y modos de vida establecidos: “Scusa tanto se la vita é cosí”.

En esta acción, las voces de fantasmas de un pasado que nunca aconteció se convierten en revisión crítica de una época en la que los retratados, los elegidos, exhalaban una masculinidad tan poderosa. Escuchadas hoy, nos recuerdan que ‘lo que es así’ también es algo construido.

 

BIOGRAFÍA


Miguel Ángel Tornero

Baeza, 1978.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, actualmente vive y trabaja en Madrid.

Ha realizado residencias artísticas en lugares como la Academia de España en Roma (2012/13) o Künstlerhaus Bethanien en Berlín (2010), y ha sido galardonado con premios de fotografía, como el Grünenthal (2011), «Purificación García» (2007) o ABC (2003); así como el «Generaciones a proyectos artísticos» (2009) o el «Premio Nacional al Mejor Libro de Arte editado» en 2014.

Entre sus exposiciones individuales, destacan “Quemar ramón” (2020) en la Galería Juan Silió de Madrid; “Sin atajos” en la Universidad de Jaén; “La noche en balde” (2017) en la Galería Juan Silió de Santander; Looking Was Serious Work but also a Kind of Intoxication en el DA2 de Salamanca (2017); The Random Series -berliner trato, romananzo & madrileño trip- en Festival suizo de Fotografía de Biel/Bienne (2016), Les Rencontres de las Photographie de Arles y en el Centro de Arte de Alcobendas (2015), The Random Series -berliner trato- (2010) en Künstlerhaus Bethanien de Berlín.

www.fernandoandres.com

 

Nicolás Combarro

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA
TOMAR LA CASAEXPOSICIÓN DE NAVE OPORTO

Desde el 29 de enero de 2021 hasta el 30 de abril de 2022

 

OBRA


Il buco, 2022

Video HD. Sonido estéreo.

Loop.

Pulsa aquí para escuchar al artista.

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El imaginario y el archivo de Nicolás Combarro se nutren de arquitecturas y ruinas en un viaje que le lleva hasta espacios soterrados. Espacios de un submundo funcional normalmente ocultos en la construcción simbólica de las ciudades, pero imprescindibles para su sustentación. La condensación temporal y su condición de invisibilidad, los colocaría en la categoría «foucaultiana» de heterotopías, lugares en los que se posibilita pensar en nuevos espacios con nuevas lógicas.

En este caso, por tanto, el viaje es a un “lugar otro”, el subterráneo de la Academia, que ahora se establece en lo oculto como ficción. Es un territorio para la alteridad, lo extraño, lo oscuro, pero también lo orgánico, lo emocional, lo anhelado, lo que está por descubrir, lo que se escapa a nuestro conocimiento y funciona con otros códigos.

La imagen resultante de su proceso es una ficción atemporal, donde la forma se presenta difusa en su origen y técnica, donde todo tipo de lenguaje y, por tanto, de construcción o estructura racional, se pierde y lo irracional se convierte en la vía para aprehender un “punto cero de la arquitectura”, un estadio anterior donde todo pudiera ser naturaleza sin jerarquías impuestas desde la visión antropocéntrica y de la lógica occidental tradicional.

 

BIOGRAFÍA


Nicolás Combarro

A Coruña, 1979.

Emplea diferentes formas artísticas, como la intervención, la escultura, la fotografía o el vídeo, estableciendo un diálogo con los procesos de transformación de la arquitectura y su contexto sociopolítico.

Ha realizado exposiciones individuales en museos y centros de arte, como la Maison Européenne de la Photographie (París), el Maximiliansforum (Múnich), el CGAC (Santiago de Compostela), Institut Français (Madrid) y en galerías, como la Solo Galerie (París), Galería Moriarty (Madrid), Kwanhoon Gallery (Seúl), Galería Taché (Barcelona) o la PABLO Gallery (Manila).

Ha realizado piezas site specific para la I Manila Bienale (Filipinas), Kreativquartier (Múnich), el 42º Salón Nacional de artistas (Cartagena de Indias). Asimismo, ha realizado proyectos específicos para centros de arte, como Caixaforum (Madrid, Barcelona), CentroCentro (Madrid), Tabacalera (Madrid) o en el Pabellón de España de la XV Bienal de Venecia de Arquitectura, entre otros.

Ha publicado libros como “Sotterranei” (RAER/Cabeza de Chorlito), “Interventions” (MEP), o “Arquitectura Espontánea” (Fundación La Caixa).

portrait_Nicolas Combarro

Beatriz Ruibal

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA
TOMAR LA CASAEXPOSICIÓN DE NAVE OPORTO

Desde el 29 de enero de 2021 hasta el 30 de abril de 2022

 

OBRA


No lo encontraréis en NINGÚN LUGAR DEL mapa, 2022

Proyección vídeo multicanal color con sonido, 2k estéreo.

Pulsa aquí para escuchar a la artista.

 

El trabajo cinematográfico y documental de Ruibal surgen de su memoria y de los archivos. Si hasta ahora la relación entre lo íntimo y lo público se ha entrelazado para proponer una imposibilidad -la de la reconstrucción de una historia, la de una imagen y su contexto-, en esta nueva producción, la tentativa de construcción se lanza hacia un futuro incierto.

Partiendo de la catalogación de especies vegetales en vías de extinción, la artista planea una “tormenta perfecta” en la que estos árboles ineludiblemente desaparecerán: el pino romano o el magnolio centenario que habitan el jardín de la Academia situado tras la ventana de este estudio y otras variedades que se extienden más allá, en el parque botánico de la ciudad, en las calles de Roma y así sucesivamente por toda la superficie terrestre.

Un movimiento de tradición clásica en la observación de la urbe romana como orbe total, del microcosmos de un jardín como representación del mundo. La magnitud de la catástrofe por venir se presenta, de esta manera, como un testimonio futurible para dibujar una escena, mezcla de recuerdo y visión terrorífica.

 

BIOGRAFÍA


BEATRIZ RUIBAL 

Prácticamente, toda su obra está atravesada por el tema de la memoria. Memoria personal y colectiva. A lo largo de los años, ha ido creando un cuerpo de trabajo, fotográfico y cinematográfico, en el que convoca las ausencias y reflexiona sobre la memoria, el olvido, el recuerdo, conceptos que están relacionados con la fragilidad del ser humano y de la existencia contemporánea. Su obra se inscribe dentro de una corriente de la cultura visual contemporánea que se sale de los caminos trillados de una memoria oficial y cerrada para ahondar en lo fragmentario, en lo abierto, en aquello que cuestiona. Tiene como elemento vertebrador la ausencia abordada de manera no lineal, sino procesual, poniendo énfasis en la subjetividad y utiliza técnicas de montaje y reapropiación.

Sus trabajos se han mostrado en exposiciones en centros de arte españoles, como Matadero (Madrid), PhotoEspaña Real Jardín Botánico (Madrid), MAC (A Coruña), Casa Encendida (Madrid), Canal de Isabel II (Madrid), Círculo de Bellas Artes (Madrid), CCEMiami (Miami), CCMEX (Méjico DF), MNBA (La Habana), Casa de las Américas (La Habana), Museum of Contemporary Art Ars Aevi (Sarajevo).

Por su parte, sus películas se han proyectado en Festivales Internacionales, como The Short Film Comer of Cannes (France), International Architecture Film Festival Nis (Serbia), Go Short – International Short Film (Nijmegen), TIFF International Film Festival video art. (Sarajevo), Venice International Experimental Cinema and Performance Art Festival, Palazzo Ca’ Zanardi (Venecia), Festival Internacional de Cine y Arquitectura Cinelekton Film Fest, Puebla, México, entre otros.

Ha publicado los libros MADRE, Varasek Ediciones, finalista en el Mejor Libro de Fotografía del Año en PHotoEspaña 2015, The Photobook Exhibition, Benaki Museum, Athens PhotoFestival 2015; The Project Library, Dublin. Photoirland 2015; Carretera Central, Ediciones Aldeasa, Colección foto.

Ha recibido la ayuda para la investigación, creación y producción artística en el campo de las Artes Visuales del Ministerio de Cultura 2020. La Ayuda a la Creación Audiovisual 2019 de la Comunidad de Madrid, la Beca de residencia artística en la Real Academia de España en Roma, Italia, 2016-2017; Beca ALNORTE 2013; el Segundo Premio Sociedad y Mujer 2003, Comunidad de Madrid; la Mención de Honor en la II Bienal de Fotografía Contemporánea 1995, La Habana, Cuba; Novos valores, Pontevedra, Imágenes jóvenes INJUVE 1992, Comunidad de Madrid.

Su obra figura en colecciones de instituciones como Colección CA2M (Comunidad de Madrid), CSIC – Consejo Superior de Investigaciones Científicas (Madrid), Fundación RAC (Pontevedra), Colección Candela Álvarez Soldevilla (Madrid), Colección Real Academia de España en Roma (Roma), Fondo Cubano de la Imagen Fotográfica (La Habana).

Es fundadora y editora de Varasek Ediciones (Madrid) y forma parte del Colectivo Nave Oporto (Madrid).

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Belén Rodríguez

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA
TOMAR LA CASAEXPOSICIÓN DE NAVE OPORTO

Desde el 29 de enero de 2021 hasta el 30 de abril de 2022

 

OBRA


Meteorito Fosforito «After Sputnik», Josh Lilley. Londres, 2013

Videoinstalación. Escultura de papel maché y sedimentos de plástico de colores, motor de bola de discoteca, foco de luz, videocámara, trípode, monitor. Emisión en directo sin sonido.

85 x 70 x 45 cm.

Pulsa aquí para escuchar a la artista.

 

José Angelino. “Lipari” Campi elettromagnetici, 2021

Pietre pomici naturali, micro magneti, Frequenze di risonanza di Schumann, riproduttore/amplificatore audio.

Dimensioni variabili.

Pulsa aquí para escuchar al artista.

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Este meteorito ha ido y ha vuelto. Ha recorrido una distancia temporal de ocho años, atravesado cinco países en un periplo de más de 9.000 km. Nació durante la estancia de Belén Rodríguez en Roma mientras investigaba la acumulación de materiales de basuras plásticas que podían convertirse en parte de bailes cósmicos, en una escenografía para relatos utópicos o parecer los restos del confeti de una fiesta para el recuerdo.

Fue una reflexión formal, parte de su investigación sobre la percepción y categorización de los tiempos y espacios que habitamos a nivel individual y colectivo. Si el cúmulo material ha sido parte de la génesis de este objeto, ahora se suman no sólo capas de papel, pedazos de PVC y otros restos polímeros casi indestructibles. Nuevas partículas se han adherido sin poder controlarlas, al igual que las memorias giran alrededor de él sin haber podido anticiparlas.

De esta manera, se ha convertido en testigo de este tránsito vital y artístico de los componentes de Nave Oporto y sus formas de relación orbitales, abiertas y en comunicación a un otro (espacio) exterior. Por ello, en esta versión actualizada, la instalación se completa con la pieza sonora del artista italiano José Angelino, amigo y colaborador de Rodríguez ya en su primera estancia romana. Si la imagen del aerolito a través de la cámara nos ofrece una visión fuera de un espacio y tiempos determinados, la pieza que transmite el sonido del desgaste de varias piedras pómez a través de imanes acompasa estos movimientos a la frecuencia de la Tierra.

BIOGRAFÍA


Belén Rodríguez

Es Magister Art por la Academia de Bellas Artes de Viena y por la Universidad Complutense de Madrid. Ha participado en Programas de Artista en Residencia, como Flora ars + natura, en Bogotá, Artista X Artista en La Habana, Hooper Projects en Los Ángeles, Academia de España en Roma y BMUKK en Tokio. Ha sido finalista en el V Premio Cervezas Alhambra, en 2021; recibió el «Premio Generaciones» en 2011 y su «Mención de Honor» en 2009; el Primer Premio Ciutat de Palma Antoni Gelabert en 2013; y la beca Staatsipendium del Ministerio de Cultura de Austria en 2015, entre otros.

Actualmente, se puede ver su instalación específica en la exposición Textiles, en CAAC de Sevilla, y se encuentra preparando dos proyectos para la exposición colectiva “’¡Salvad mis amores!”, comisariada por Chus Martínez para Collegium en Arévalo, además de la exposición individual para La Capilla en Patio Herreriano en 2022.
Fotos Belen Artista Arco Alhambra 202125 - Copyright Sergio Albert

Miguel Ángel Tornero

REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA
TOMAR LA CASAEXPOSICIÓN DE NAVE OPORTO

Desde el 29 de enero de 2021 hasta el 30 de abril de 2022

 

OBRA


Nueva capa a partir de patio, 2022

Intervención específica en el patio de la Real Academia de España en Roma.

Pulsa aquí para escuchar al artista.

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Si la Academia fue el lugar físico de trabajo para los artistas de «Tomar la casa», Miguel Ángel Tornero lo convierte, gracias a esta suerte de trampantojo casero, en el espacio digital de una de sus herramientas: el escritorio de un software de edición de imagen. El artista realiza las acciones propias del entorno virtual que permiten trastocar y modificar una fotografía, como clonar, borrar o colorear, replicándolas en el propio patio del claustro a través de impresiones de baja calidad y materiales básicos de construcción.

Las huellas blandas de programación se vuelven tangibles y rígidas, permitiéndonos deambular alrededor de ellas y conformando nuevos diálogos y solapamientos en este escenario. Las formas de hacer de Tornero, cargadas de gran ironía en su estética DIY (do it yourself o “hazlo tú mismo”), ponen el acento en lo que supone la creación y reproducción fotográfica, actividad que se podría definir como una traducción recortada y retocada de la realidad, que se vuelve bidimensional al imprimirse en un papel, o en la traducción del código binario que forma la imagen en una pantalla. Una visión plana, que sería la misma que si observamos este rectángulo desde el atrio superior. La relación entre lo digital y lo analógico y cómo afecta a nuestra percepción y la construcción de sentidos a partir de ella sitúa la labor artística como una práctica privilegiada para la toma de conciencia crítica de estas estructuras de conocimiento.

 

BIOGRAFÍA


Miguel Ángel Tornero

Baeza, 1978.

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Granada, actualmente vive y trabaja en Madrid.

Ha realizado residencias artísticas en lugares como la Academia de España en Roma (2012/13) o Künstlerhaus Bethanien en Berlín (2010), y ha sido galardonado con premios de fotografía, como el Grünenthal (2011), «Purificación García» (2007) o ABC (2003); así como el «Generaciones a proyectos artísticos» (2009) o el «Premio Nacional al Mejor Libro de Arte editado» en 2014.

Entre sus exposiciones individuales, destacan “Quemar ramón” (2020) en la Galería Juan Silió de Madrid; “Sin atajos” en la Universidad de Jaén; “La noche en balde” (2017) en la Galería Juan Silió de Santander; Looking Was Serious Work but also a Kind of Intoxication en el DA2 de Salamanca (2017); The Random Series -berliner trato, romananzo & madrileño trip- en Festival suizo de Fotografía de Biel/Bienne (2016), Les Rencontres de las Photographie de Arles y en el Centro de Arte de Alcobendas (2015), The Random Series -berliner trato- (2010) en Künstlerhaus Bethanien de Berlín.

www.fernandoandres.com