REAL ACADEMIA DE ESPAÑA EN ROMA

PROCESSI 148│EXPOSICIÓN FINAL DE LOS ARTISTAS E INVESTIGADORES EN RESIDENCIA PROMOCIÓN 2020/2021

Desde el 7 de octubre de 2021 hasta el 15 de enero 2022

PROYECTO

De Sculptura

 Se toma este título del tratado renacentista De sculptura, publicado en 1504. Su autor, Pomponio Gaurico, comenta en él que “en la antigua Roma el pueblo imaginario de las estatuas (populus fictus) igualaba al de las personas vivas”. En la actualidad, a ese pueblo imaginario de las imágenes hay que sumar las que habitan los más o menos nuevos media, donde su número multiplica infinitamente al de los habitantes del planeta ¿No es mediante su omnipresencia desde la que se lleva a cabo la función ejemplarizante que cumplían las estatuas? ¿Hasta qué punto en esta iconografía pervive y se difunde –a la vez que evoluciona y se transforma – el discurso patriarcal que exige la subalternización de las mujeres, el papel accesorio de su imagen, su inferiorización, su sometimiento? 

Mientras, aquellas estatuas se contemplan hoy, con devoción, en el interior de los museos y sus infinitas réplicas son consumidas como souvenirs. Recuerdos. Recordatorios. Ingenuos artefactos que imperceptiblemente pero sin descanso emiten una advertencia, una amenaza dirigida a todas las mujeres: ser objeto de violencia no es un acontecimiento excepcional sino una parte esencial de la base del orden social.

La expresión de sculptura (sobre la escultura, acerca de la escultura), a los ojos, a los oídos de hablantes de castellano puede sugerir la idea de descultura, de desescultura, de una escultura trastocada, vuelta del revés. Igualmente, en italiano, el verbo esculpir es scolpire. Colpire significa golpear. Un juego de palabras nos permite leer la “s” inicial como una partícula privativa, similar a nuestro prefijo “des”, invirtiendo así su significado: des-golpear. Nuestro trabajo de relectura crítica de la escultura, de las mitologías de la figura escultural y de sus mutaciones en la cultura consumista, busca identificar las veladuras, los eufemismos, los camuflajes de esa violencia históricamente enfrentada por  las mujeres durante milenios, para visualizarla, neutralizarla, revertirla, deshacerla. 

OBRAS

Spolia (Raptae)

Material: Souvenirs (resina y mármol), vidrio y bordados sobre algodón.

Dimensiones: variables, bastidor 116 x 54 cm.

El arte y la cultura han constituido históricamente una poderosa y sutil herramienta de legitimación de la violencia misógina. Las obras maestras de la escultura clásica contribuyen, mediante su prestigio artístico, a invisibilizar la brutalidad de los hechos que representan: hombres que raptan, violan y mutilan a mujeres.

Spolia (Captae)

Material: Souvenirs (resina y mármol), vidrio y bordados sobre algodón.

Dimensiones: variables, bastidores: 116 x 54 cm y 116 x 46 cm.

Las grandes obras de arte (y sus reproducciones comerciales en forma de souvenir) representan un mecanismo ideal para la difusión del mandato de obligatoria belleza que la mirada masculina espera de las mujeres. La feminidad que el patriarcado ordena no solo exige apariencia de eterna juventud, sino obediencia y silencio.

S Colpire 

Soporte: Libro de artista, 250 ejemplares numerados (144 pp)

Dimensiones: 16,5 x 21 cm.

El objetivo de la selección de imágenes recogidas en este ensayo visual se sintetiza en su título: S-colpire es un juego de palabras que descubre, en el interior del verbo scolpire (esculpir), la palabra colpire (golpear). Se trata de una relectura crítica del imaginario femenino, que busca des-golpear: desmontar, revertir, deshacer esa violencia.

Filo rosso #1

Material: papel Hahnemühle 

Técnica: Impresión digital y serigrafía 

Dimensiones: 110 x 85 cm (son dos) 

Filo rosso #3

Material: serigrafía papel Hahnemühle 

Técnica: Impresión digital y serigrafía 

Dimensiones: 110 x 85 cm (son dos) 

Las dos piezas pertenecientes a la serie titulada Filo rosso (hilo rojo) señalan cómo la violencia simbólica contra las mujeres que se muestra y expande a través de la estatuaria clásica pervive y se manifiesta en expresiones culturales contemporáneas, como los medios de masas y la publicidad comercial.

BIOGRAFÍA

ELO VEGA

Artista visual e investigadora, doctora en Investigación en Artes y Humanidades. Ha realizado estancias académicas internacionales en l´Ecole de Beaux-Arts de Nantes; la Facultad de Filosofía y Letras en la Benemérita Universidad de Puebla; Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Autónoma de Baja California; y en el Programa de Estudios de Género de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Su trabajo aborda cuestiones sociales, políticas y de género desde una perspectiva feminista antipatriarcal, a través de proyectos artísticos que son a la vez dispositivos de crítica de la cultura como instrumento político: producciones audiovisuales, exposiciones, publicaciones, intervenciones en espacios públicos, trabajos en la red, cursos y talleres que abordan los procesos de generación y reproducción de ideología y construcción de identidad.

Ha participado en proyectos de pedagogía colectiva y exposiciones, principalmente en torno a la construcción de la historia, la memoria y las identidades, en numerosas instituciones culturales de Europa y Latinoamérica, entre ellas, el CAAC (Sevilla), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria), CCCB (Barcelona), CGAC (Santiago de Compostela), MACBA (Barcelona), Museo ICO (Madrid), MNCARS (Madrid), Museu Picasso (Barcelona), IVAM (Valencia), MUSAC (León), Es Baluard (Palma de Mallorca) o el MAC de Santiago de Chile.

www.elovega.net

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PROYECTO

TERZA VITA

Terza Vita capta las experiencias afectivas de un territorio más allá de una idea general de la ciudad pandémica. Por un lado, la fotografía reacciona ante la singularidad de este periodo, pero una lectura profunda del “estado de excepción” no solo involucra este presente de pandemia, sino a la misma forma de relacionarnos en las ciudades del siglo XXI, a nuestro mapa de los afectos. De este modo, la primera pregunta surge de un modo casi natural: cómo conviven los habitantes de una ciudad que limita sus movimientos, cierra sus locales, restaurantes, museos… O mejor dicho: ¿qué es la libertad?

En un primer impulso, Terza vita estudia este concepto de libertad en un sentido amplio y coral, incluso paradójico. Para ello, combina la fotografía con el documento, grabaciones de vídeo y entrevistas de audio, y destaca aquellos momentos en los que la vida bajo la amenaza del Covid rompe nuestras ideas preconcebidas: los protagonistas de estas fotografías, de diferentes edades, orígenes o estratos sociales, muestran una misma pulsión a pesar del importante cambio de nuestro contexto. La libertad segrega una carga profunda, una fuerza arraigada en la propia sensualidad del ser humano, y perfectamente encarnada en la ciudad de Roma: un ejercicio de seducción y de celebración de la fugacidad, un apetito de vida.

Finalmente, este apetito entendido como una defensa de la existencia termina con un pacto que cierra el círculo de Terza vita: el amor. Quizá una nueva servidumbre, voluntaria, pero abierta a todas las posibilidades. En la playa de Ostia las fotografías captan el instante en el que se da la promesa de un futuro: parejas de diversas edades y en diferentes momentos de su historia personal desde una intimidad invasiva y cómplice. Invasiva porque los retratos de Terza vita pretenden ser permeables a la intimidad de los retratados. Por ello es importante el lugar desde el que colocar la cámara. No tanto en sentido técnico, como si fuera una simple cuestión de distancia o altura “objetiva”, sino de temperatura ética: la cámara se sitúa en el mismo nivel del fotografiado para recibirlo sin juzgarlo; antes bien, permitiéndole desplegar toda su cercanía. 

Tanto en el análisis de la noción de libertad como en los juegos de la seducción o los pactos del amor, Terza vita estudia un elemento principal de esta convivencia activa: la promesa de futuro. Una celebración de esa vida tan ajena a la nostalgia de un pasado estable como al shock del presente y que surge incluso en las condiciones más adversas.

OBRAS

Vídeo (entrada de la academia) 

Sin título. Obra perteneciente al proyecto Terza vita.

En la playa de Ostia Mar Sáez se dedicó a observar a parejas de distintas edades atravesadas por el deseo.

Pieza sonora (habitación)

Sin título. Obra perteneciente al proyecto Terza vita. 

Pieza que recoge las entrevistas de Mar Sáez a distintos ciudadanos y ciudadanas durante su estancia en Roma. La pieza se completa con un cuaderno que recoge voces como las de Franca, de 90 años, que recuerda a su padre fascista y expresa su preocupación por un hijo desempleado de 53 años a su cargo; o Marta, de 33, que analiza la inseguridad consustancial a ser mujer en Roma; o Abbas, de 41 años, que lamenta el desamparo que sufren los migrantes refugiados… 

Serie fotográfica (primera planta)

Terza vita. Retrato de un territorio vivo.

BIOGRAFÍA

MAR SÁEZ

Murcia, 1983. Licenciada en Psicología y Comunicación Audiovisual por la Universidad de Valencia. Su fotografía se ha mostrado en The Gabarron Foundation de Nueva York, la Galería Retine Argentique de Marsella y F22 Foto Space de Hong Kong. También en festivales como KLAP Maison pour la Danse de Marsella, Arlés, GuatePhoto de Guatemala o ferias como Paris Photo, London Art Fair, ARCO y Estampa. Ganadora de la Beca de Artes Plásticas de la Región de Murcia, ha sido galardonada durante dos años con el Premio LUX de la Asociación de Fotógrafos Profesionales de España (AFPE), seleccionada en Festivales como Scan de Tarragona, Albarracín y Futures 2020 propuesta por PHotoEspaña, entre otros.

Es autora de los fotolibros Vera y Victoria (2016) y Gabriel (2018), publicados por la editorial francesa André Frère Éditions. Su obra está presente en colecciones públicas y privadas en Europa, Asia y EEUU. Como artista está representada por la galería Daniel Cuevas en Madrid y Fifty Dots en Barcelona.

www.marsaez.com

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PROYECTO

verba volant

“Verba Volant” es parte del proyecto “La Distancia”, una investigación sobre el lenguaje visual que estoy desarrollando en la Academia de España en Roma. Verba Volant propone una experiencia de lectura diferente, física e intuitiva, que haga del lector un sujeto activo que se desplaza con el cuerpo al tiempo que con la mente, los ojos y las emociones.

Dispuestas sobre las paredes de un cubo de papel de grandes dimensiones, decenas de fotografías son secuenciadas como una sinfonía visual que se sirve de los pájaros como hilo conductor en un viaje a través del tiempo y del espacio. De Nueva York a Babilonia; del lenguaje tratado como una ciencia a una tablilla cuneiforme que parece escrita por un pájaro; de la gramática universal de Chomsky a la teoría de la selección natural de Darwin; del lenguaje entendido como arma a la lengua materna: nuestra primera lengua, la más cercana, aquella que configura nuestro cerebro creando un vínculo entre el pensamiento y la palabra que con los años será igual de importante que el de la sangre.

OBRA

El proyecto que Gonzalo Golpe presenta en Processi 148 consiste en un cubo construido con madera y papel ignífugo. En su interior el autor desarrolla una ficción poética acerca del origen del lenguaje y la evolución del inglés hacia una unilengua. En su interior decenas de fotografías son dispuestas como notaciones visuales. El dispositivo funciona como un libro visual que invita al lector a entrar en él. Una de las paredes funciona como una puerta, que debe ser cerrada cuando el lector entre en él. El cubo cuenta con iluminación interior, pero se recomienda hacer uso de una linterna como fuente de luz complementaria. La linterna está junto a la cartela de la obra y cuenta con dos funciones: una luz focal y otra bañadora. Así mismo, se recomienda descalzarse para entrar al cubo. La lectura debe realizarse en solitario y con la puerta cerrada.

BIOGRAFÍA

GONZALO GOLPE

Madrid, 1975. Editor independiente y profesor. Licenciado en Filología Hispánica y diplomado en Edición y Publicación de Textos por la Universidad de Deusto. Especialista en autoedición y producción gráfica.

Desde 2014 forma parte de La Troupe, un colectivo de profesionales de las artes gráficas dedicado al trabajo de autor, tanto en su vertiente editorial como expositiva. Interesado por la autopublicación y la narrativa fotográfica, su trabajo se ha desarrollado fundamentalmente en el mundo del libro de arte, trabajando de forma indistinta para fundaciones, museos, editoriales o directamente para el autor. Como editor no se limita a trabajar en libros, también ha participado en el desarrollo de aplicaciones digitales, webs de autor y comisariado proyectos expositivos. Es profesor en diferentes escuelas, donde imparte materias relacionadas con el lenguaje visual, la dirección de proyecto y la edición y publicación de fotolibros. Coautor del ensayo poético “Curso y Discurso”, publicado en 2020 por Cabeza de Chorlito (España) y en 2021 por SED Editorial (Argentina).

Su trabajo se puede consultar en:

www.formalenta.com/  www.la-troupe.com/

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PROYECTO

Risonanze Occulte

El proyecto surge a partir de una investigación trans-disciplinar que combina danza con modelos computacionales destinados a apoyar y expandir el estudio sistemático del movimiento expresivo. 

Mediante técnicas de captura de movimiento, machine learning, sonificación interactiva y técnicas de digitalización que permiten enriquecer, analizar, almacenar, documentar y acceder a gestos y aspectos expresivos del movimiento. 

Uno de los aspectos centrales de este proyecto, reside en el uso de esta tecnología interactiva como un medio para expandir el movimiento corporal a otros medios de expresión artística. 

Esto permite, por ejemplo, comunicar a través de la sonificación o visualización aspectos expresivos de la danza que habitualmente quedan ocultos al observador externo, ofreciendo la oportunidad de traducir a otra modalidad sensorial las cualidades de movimiento hipnóticas presentes en las obras maestras que inspiran este proyecto. ¿Cómo sonarían las cualidades de movimiento que percibimos en la obra escultórica de Bernini, por ejemplo la fluidez-rigidez del Apolo y Dafne, la tensión postural del Rapto de Proserpina o la fragilidad en el Éxtasis de la Beata Ludovica Albertoni?. 

El objetivo final de este proyecto es integrar estos elementos en una obra con tres formatos distintos, cinematrográfico, escénico y museístico que sirva como una forma de diseminación artística de esta investigación. Una obra que establece un puente entre obras maestras de las artes visuales, la inteligencia artificial, la música y la experiencia concreta del cuerpo. 

OBRA

dĭēs

Un momento no existe en el tiempo, es una fracción artificial extrapolada de un continuo inaprensible.

El arte pretende captar esos momentos y, por tanto, como en la creación de una escultura, nos recuerda que había una vida y, por lo tanto, también representa la muerte. Dĭēs es una película que combina danza, música y escultura en el Tempietto del Bramante, un templo que constituye una obra maestra del Renacimiento en Roma. Entrar en un templo es cruzar un umbral que simboliza el paso de lo conocido lo

desconocido, de la luz de la conciencia a la oscuridad del inconsciente, una dimensión atemporal en

donde residen las fuerzas dinámicas y creativas del individuo.

BIOGRAFÍA

MURIEL ROMERO

Es bailarina y coreógrafa. Su trabajo se centra en el desarrollo de técnicas coreográficas generativas, incorporando en su lenguaje abstracciones tomadas de otras disciplinas como la música, matemática e inteligencia artificial. Ha obtenido diversos premios internacionales tales como los premios del público y de la crítica en Moscow International Ballet Competition, Prix de la Fondation de Paris en Prix de Lausanne y 1o Premio de Danza Ciudad de Barcelona. Ha sido primera solista de prestigiosas compañías entre las que se cuentan Deutsche Oper Berlin, Dresden Semper Oper Ballet, Bayerisches Staatsballet Munchen, Gran Théatre de Genéve o Compañía Nacional de Danza. En su andadura ha trabajado con destacados coreógrafos de nuestro tiempo como W. Forsythe, J.Kylian, Nacho Duato, Ohad Naharin, Saburo Teshigawara y Cisco Aznar. En 2008 funda Instituto Stocos junto al compositor Pablo Palacio, un proyecto basado en el análisis y el desarrollo de la interacción entre gesto corporal, sonido e imaginería visual. Con este proyecto ha producido una serie de trabajos escénicos que funcionan como una forma de diseminación artística de su investigación, la cual ha sido apoyada por la Unión Europea tanto en programas de Cultura como Industria Comunicación y Tecnología dentro del programa Horizonte 2020. 

www.stocos.com

CRÉDITOS

Un proyecto de Muriel Romero para la Real Academia de España en Roma. Esta película es parte del proyecto Risonanze Occulte que incluye además una perfomance con sonificación interactiva, captura de movimiento, inteligencia artificial y esta película.

Director: Stefano Di Prieto

Guión: Stefano Di Prieto, Pablo Palacio y Muriel Romero

Producción. Real Academia de España en Roma &Instituto Stocos

Coreografía : Muriel Romero

Performers. Teresa Garzón, Alicia Narejos, Muriel Romero

Composición musical. Pablo Palacio

DOP: Giulio Bottini

Editor. Daniel Rodrigues Correia

Gaffer/Assistente de producción : Marco Rivolta

Drone : Stefano Di Prieto

Diseño de vestuario. Buj Studio

Peluqiería y Maquillaje: Raimondo Santiprosperi

Fotorgrafía backstage: Marcela Sciaccaluga

Producción: Espectare

Composición Interactiva, Mix y Mastering Pablo Palacio

La música de la pelicula es completamente sintética, combina composición electroacústica y sonificación interactiva del movimiento, gracias a un sistema de sensores especialmente diseñados para este proyecto que traslada los movimientos de los perfomers en sonido en tiempo real.

dĭēs ha sido filmada en el interior de la Real Academia de España en Roma que apoyo plenamente la residencia artística de Muriel Romero que permitió el desarrollo del proyecto Risonaze Occulte.

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PROYECTO

EL ORDEN NOCTURNO

el orden nocturno es el resultado de una investigación que he desarrollado durante los últimos seis meses en torno a la hospitalidad y a nuestra relación con el Otro. 

Durante este tiempo he iniciado una colaboración con microorganismos para producir alimentos que comparto con los asistentes durante diferentes ceremonias. Alimentos básicos como la harina, el arroz o los guisantes son alterados por bacterias, hongos y levaduras que, mediante procesos de fermentación, modifican las moléculas de los alimentos dando lugar a nuevas texturas, colores, olores y sabores. De esta forma, los microorganismos transforman algo conocido en algo completamente nuevo que somos incapaces de reconocer y nombrar.

Pienso en un orden nocturno que abraza la pérdida de sentido y que propone la experiencia con los alimentos como una vía para acceder a otras formas de conocimiento. En oposición a lo que sería un saber diurno que define y cuantifica, domesticando lo desconocido, fragmentando lo enigmático hasta dominarlo.

En mi práctica es importante insertar la comida en la obra para repensar cómo generar vínculos. Considero que la hospitalidad y la mesa están absolutamente conectadas. Compartir la comida es una de las formas más básicas de cooperación y uno de los rituales más extendidos en nuestra sociedad. Los alimentos básicos nos alejan de lo inhóspito y del vacío, nos acercan al refugio, la intimidad y al Otro. Hay un pequeño acto de resistencia cuando compartimos una comida con el Otro, un gesto de atención y cuidado. Los lazos afectivos se fortalecen al recibir, dar o compartir alimentos, aunque también tengo presente la compleja relación de poder que se establece entre anfitrión y huésped.

el orden nocturno es una pieza que se activa durante una serie de ceremonias en las que se comparten alimentos con los asistentes.

BIOGRAFÍA

SARA GARCÍA

Sara García (España, 1983) explora la idea de la pintura de naturaleza muerta con lo participativo, principalmente mediante el uso de alimentos. A partir de diferentes aproximaciones busca generar experiencias sensoriales íntimas que reflexionan sobre la idea de hospitalidad y por lo tanto sobre nuestra relación con el otro, lo desconocido. 

Estudió Bellas Artes en la Universidad de Vigo y en la Universidad Politécnica de Valencia, también ha realizado el PES de SOMA en la Ciudad de México. Algunas de las muestras en las que ha participado son: El sol y su sombra, CCEMX, Ciudad de México, Presencia lúcida, ESPAC, Ciudad de México, Una rosa tiene forma de rosa. Oficios e instintos, Casa del Lago, Ciudad de México. La Isla, Isleta del Lago Mayor, Bosque de Chapultepec, Ciudad de México,  Universo vídeo. Geo-políticas, LABoral, Gijón.

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PROYECTO

DESPUÉS DEL DESCANSO / DOPO LA PAUSA

En el siglo XVIII el mar se convierte en el nuevo objeto de deseo. Comienza a gestarse el viaje turístico moderno y, posteriormente, algunos gobiernos otorgan el derecho a vacaciones pagadas para la clase trabajadora. En respuesta a estos fenómenos se desarrollan arquitecturas específicas, como balnearios y cruceros, escenarios clave para mi proyecto Después del descanso.

Este trabajo se articula a través de la evolución del concepto de ocio, tomando como referencia las organizaciones dedicadas al adoctrinamiento de la clase obrera de las dictaduras europeas del siglo XX. Su papel principal consistía en ganar adeptos a los distintos regímenes totalitarios a través de actividades recreativas en el tiempo libre.

Estos sistemas de control jugaron un papel fundamental en el desarrollo del viaje turístico, donde ocio y trabajo debían estar estrictamente conectados. La primera organización que sirvió como ejemplo para el resto fue Opera Nazionale Dopolavoro, en la Italia de Mussolini. En la Alemania de Hitler se exportó como Kraft durch Freude (Fuerza a través de la alegría), que con una mayor inversión llegó a convertirse en el tour operador más grande de los años treinta. Durante la España de Franco, y en menor escala, se creó la organización Educación y Descanso, y en el Portugal de Salazar se tradujo como Alegria no Trabalho. La finalidad de estos sistemas dedicados al esparcimiento y a la cultura era obtener un mayor rendimiento, además de la devoción del trabajador hacia el régimen, bajo lemas como “Ahora tú también puedes viajar”.

La presente investigación se traduce en varias piezas fílmicas y de obra gráfica, que en forma de viaje a través del tiempo y por distintas aguas, conectan diversos hechos históricos que nos hacen reflexionar sobre el modelo de consumo turístico y el propio significado del viaje.

OBRAS

Aidez et visitez

Técnica: Dibujo con tinta pigmentada y tinta china sobre papel Fabriano 250 g/m2

Dimensiones: 50 x 70cm.

Esta pieza es la síntesis del mensaje cruzado de dos afiches emblemáticos, editados ambos en los años treinta en España. Por un lado está el famoso “Aidez l’Espagne” de Joan Miró, reclamando el apoyo a la República española durante la Guerra Civil, para impedir el avance de las tropas de Franco. El rótulo de la otra cara pertenece al eslogan que el Departamento de Turismo le dedicó a distintas provincias españolas: “Visitez l’Espagne”. Este juego entre ambos mensajes responde al lavado de cara que supuso el turismo durante la dictadura de Franco, y cómo se sigue empleando como salvación de la economía obviando los problemas que acarrea desde hace décadas.

Grandiosa fantasia 

Técnica: Vídeo en dos canales color 4K 48Hz.

Duración: 3’20’’ (bucle)

El díptico que se presenta es el resumen de una travesía de 7 días en un crucero por el Mediterráneo occidental. Los vídeos corresponden al primer y último día de travesía a bordo de una de estas naves, que aparecen como la síntesis del capitalismo más salvaje. Este modelo vacacional, que recibió un duro golpe durante la pandemia producida por el Covid-19, regresa a nuestros puertos como si nada hubiese pasado, haciendo uso de su eslogan preferido: “Siéntete libre”.

BIOGRAFÍA

IRENE DE ANDRÉS

Ibiza, 1986. Irene de Andrés se graduó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid (2009) donde hizo un Máster de investigación y producción artística (2010). Ha sido una de las artistas residentes de la Escuela FLORA Ars+Natura de Bogotá (Programa de residencias artísticas A/CE 2016) y del programa The Harbor de Beta Local en San Juan de Puerto Rico (2017). En 2019 fue residente del programa para Artistas Visuales del Centro de Residencias Matadero Madrid.

Entre las becas y premios que ha recibido destacan el premio Generaciones, Circuitos de Artes Plásticas, el Premio Ciutat de Palma, las Ayudas a la Creación Audiovisual DKV-Es Baluard y las Ayudas a la Creación Audiovisual del Programa Visiona de la Diputación de Huesca. Sus exposiciones individuales más recientes han tenido lugar en el Espai 13 de la Fundación Joan Miró de Barcelona, y en el Museo Patio Herreriano de Valladolid. El trabajo de Irene también ha podido verse en múltiples muestras colectivas en centros e instituciones como el MuHKA (Museo de Arte Contemporáneo de Amberes), en la Casa Encendida en Madrid, en la Trienal de Frestas de Sorocaba (Brasil), en la galería Copperfield de Londres o en IFA Galerie en Berlín.

www.irenedeandres.com

www.vimeo.com/irenedeandres

El 25 de septiembre se inaugura SUBVERSIONES, una exposición de la exbecaria de la Academia de España en Roma Estibaliz Sádaba Murguía en el espacio de arte contemporáneo AlbumArte en colaboración con Acción Cultural Española (AC/E). Disponible hasta el 28 de octubre.

Inauguración: 12:00 – 21:00
AlbumArte (Via Flaminia 122, Rome)
Acceso en pequeños grupos siguiendo la normativa santaria en vigor

Proyecto realizado gracias a la colaboración de Acción Cultural Español (AC/E)
Con el apoyo di Etxepare Euskal Institutua
En colaboración con la Real Academia de España en Roma

Toda la info en la página de AlbumArte