Quartiere V

1999

Plomo, madera y cera

35 x 75 x 22 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Esther Pizarro

<Construir ciudades constituye la cartografía de una experiencia, mi estancia en la Academia de España en Roma. La ciudad se dibujaba como una acumulación de estratos, de tiempos, de lugares y de historia; en definitiva, una arqueología de la superposición, una discontinuidad en el tiempo.

Imaginé un sistema de quartieri (barrios), receptáculos de experiencias, habitáculos del recuerdo que reflejaran esos vacíos laberínticos y orgánicos de la zona medieval por los que había transitado. Utilicé una piel de cera para el interior de mis contenedores, una ciudad que se pliega sobre sí misma, para volverse más íntima, más humana y accesible. Una epidermis arqueológica que, repitiéndose continuamente, describe en sus variaciones el tessuto romano. Aparentemente blanda y frágil, la cera nos describe las entrañas de la ciudad; esa ciudad imaginada en nuestra memoria, delicada y débil, que necesita ser protegida por un caparazón externo, rígido y rotundo, de plomo>.

ESTHER PIZARRO (Madrid, 1967)

RESIDENTE RAER 1998-1999

Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, es Catedrática de la Universidad Europea          de Madrid. Ha sido becada por la Fundación Pollock-Krasner de Nueva York, la Academia de España en Roma y el Colegio de España en París. Entre 1996 y 1997, reside en Estados Unidos con una Beca Posdoctoral de la Comisión Fullbright y del Ministerio de Educación y Cultura.

En el ámbito expositivo, ha desarrollado multiplicidad de muestras en distintas instituciones, entre las que destacan: Euskalduna, Las Cigarreras, LABoral, Tabacalera Madrid, Matadero Madrid, Casa Asia, Museo de San Telmo, Centro de Arte Tomás y Valiente, Museo Barjola, Círculo de Bellas Artes, Bienal de Arquitectura de Venecia, Centro Cultural de España en Lima o Ponce+Robles.

En los últimos años, ha hecho numerosas instalaciones efímeras e intervenciones en espacios públicos: Exposición Universal de Shanghai, Expo Zaragoza, Palacio de Exposiciones y Congresos de Mérida o el West Lake Park de Hangzhou.

Su praxis engloba el interés por la ciudad y por cómo el ser humano percibe, se identifica y se mueve en los espacios urbanos. Sus últimas instalaciones exploran la complejidad de la sociedad contemporánea: movilidad, conexión entre ciudades, sistemas urbanos policéntricos, conexiones físicas y digitales, visualización artística de datos y sostenibilidad medioambiental, son algunos de los temas tratados.

https://estherpizarro.es/

Infinitas formas I

2012

Collage de fieltro cosido

200 x 94 cm

Obra perteneciente a la colección MAEC

Fotografía de Sonia Navarro.

La artista explica <RECORRIDOS sobre el plano de la ciudad que me lleva de un lado a otro, comparándolo con el plano de un patrón de costura. La documentación cartográfica en la que se recogen espacios urbanos y rurales donde la escultura y la arquitectura tienen un sentido de referencia y punto clave de quiebro en esos recorridos. Teniendo en cuentas las lindes como frontera.

La idea de patrón siempre ha estado presente como punto de partida que une mi obra, adquiriendo mil formas dentro de un lenguaje pictórico que se sirve de la costura como elemento principal de expresión. Este discurso no es ajeno a las dialécticas de género y al uso que han hecho éstas del cosido como herramienta formal a la que ligan un pasado de sometimiento doméstico>.

SONIA NAVARRO (Puerto Lumbreras, 1975)

Residente RAER 2011-2012

Sonia Navarro aprendió costura y sastrería de sus abuelas, antes de obtener una licenciatura en Bellas Artes y un máster en Fotografía.

Ha sido galardonada con varios premios y becas, como la beca MAEC-AECID de la Real Academia de España en Roma y el premio de Artes visuales y Fotografía, concedido por el Ministerio de Cultura. Igualmente, ha presentado su trabajo de forma individual tanto en galerías nacionales como internacionales: T20, Mas Art, Ad Hoc, Ybakatu, Galería Pedro Oliveira y en la Cité de Paris.

Ha trabajado en proyectos específicos para Manifesta 08, Open Studio (Madrid), Puntos en común, Centro Cultural de Guatemala, Fundación Cerezales Antonino y Cinia y La Mar de Músicas.

Desde hace más de una década, y a través de diferentes medios de expresión como la escultura, la instalación, la fotografía y el dibujo, ha creado obras que desafían y confrontan los mecanismos de poder y sus instituciones,  especialmente aquellas que han contribuido al establecimiento de una jerarquía entre géneros, relacionando a las mujeres con el trabajo doméstico y la imposibilidad de movilidad, y reflexionando sobre la lucha constante de las mujeres contra las convenciones sociales establecidas.

https://www.sonianavarro.com/

Agua (Tíber)

1991

Aguafuerte y gofrado s/ Papel

80 x 120 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Blanca Muñoz

Blanca Muñoz explica que <sendas planchas del grabado están abatidas en el plano para que den la sensación de ser dos grandes ventanales por donde se observa desde el aire el recorrido del río Tíber en su paso por Roma y su isla Tiberina. Sus planchas de zinc precisamente las reutilicé para realizar mi primera escultura en 1992>.

BLANCA MUÑOZ (Madrid, 1963)

RESIDENTE RAER 1990-1991

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en 1989 continuó su formación en la Calcografia Nazionale del Istituto Centrale per la Grafica de Roma. Prolongó su estancia en Italia becada durante dos años por la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes en Roma (1990-1991). De esa época datan sus primeras propuestas a partir de grabados en metal, atraída por las posibilidades poéticas del espacio y la luz, en las que exploraba las relaciones sintácticas entre la escultura y el arte gráfico.

Establecida durante dos años en México, continuó expandiendo los límites de la estampa. Su cada vez más sólida trayectoria en el campo del arte gráfico durante la década de 1990 condujo al reconocimiento de su obra en los principales certámenes y premios de grabado en España: “José de Ribera”, “Carmen Arozena”, “Luis Caruncho”, “Máximo Ramos”; hasta alcanzar en 1999 el Premio Nacional de Grabado, otorgado por la Calcografía Nacional.

La exploración de los volúmenes tuvo continuidad en esculturas de gran formato y obras para el espacio público. Además de continuar con el grabado, sus conceptos escultóricos los reduce para el diseño de joyas adaptándolos a las formas corporales.

La luz transfiere a las esculturas de Blanca Muñoz una genuina sensación de ligereza. Sus volúmenes flotan en el espacio, manteniendo el sentido poético de la escala frente a la realidad objetiva del tamaño, ya se trate de esculturas, joyas o estampas en tres dimensiones. Es miembro de la Academia de Bellas Artes de Madrid.

www.blancamunoz.com

Psicografías

2012

Temple s/ papel

189x148cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Ruth Morán.

La serie de Psicografías, son obras que están cubiertas por completo de temple negro mate (en un sentido de piel), la densa materia del pigmento reclama más al tacto que a la vista. Superficie, pausadamente construida, aparece la línea: trazada con tinta brillante, creando espacios que surgen a modo de pequeños mundos, sobre el oscuro pigmento. Estas obras son rememoración del paisaje en su aspecto más esencial: evocación de la materia (oscura y a la vez fértil, huidiza pero seductora) y construcción de un mundo, de un espacio de acogida.

RUTH MORÁN (Badajoz, 1976)

RESIDENTE RAER 2011-2012

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, ha realizado diversos talleres de formación en Andalucía. Ha sido becada en la Real Academia de España en Roma, Artes Plásticas del Ministerio de Cultura en París, Casa Velázquez en Madrid o la Ayuda para Artistas Plásticos de la Junta de Extremadura. Ha realizado exposiciones individuales, entre las que destacan las mostradas en el Museo Barjola (Gijón), Fundación Díaz-Caneja (Palencia), MEIAC (Badajoz), Centro de Arte Alcobendas (Madrid), CAAC (Sevilla) o Sala Parés (Barcelona), así como varias exposiciones colectivas. Igualmente ha participado en distintas ferias de arte con diversas galerías, siendo representada por la Galería Ángeles Baños. Su obra se encuentra en numerosas colecciones públicas como Banco de España en Madrid, CAAC de Sevilla o MEIAC en Badajoz, así como en colecciones privadas como las Fundaciones DKV, Focus-Abengoa o Unicaja, entre otras. Por último, ha recibido premios como el Torres García-Ciudad de Mataró, Parlamento de la Rioja, Internacional de Artes Plásticas de Extremadura, Ciudad de Badajoz, Concurso El Brocense o Pintura Eugenio Hermoso.

En sus obras se dispone a crear una especie de clima emocional, a través de la exacta disposición en el espacio de la línea, creando concentraciones de luz y sombra y generando unos ritmos y energías que tienen una traducción psíquica y emocional en el espectador cuando los contempla.

Todo su trabajo es una reflexión en torno a la escritura, entendida como una suma de signos, el conjunto de todos ellos le permite llevar a cabo una investigación en torno al espacio; no solo entendido como superficie de la obra sino a partir de una visual global del diálogo que establecen las obras entre ellas.

http://www.ruthmoran.es

Tanto, Roma I

2016

Técnica mixta

20 x 20 x 15 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Olivier Dupont.

Tanto, Roma es una serie de pequeñas esculturas, Haikus no verbales, que asemejan la estética del wabi-sabi y la filosofía/técnica del Kintsugi con Roma. Asimismo, Tanto, además de ser cuantificador indefinido en castellano, hace referencia al arma corta de filo utilizada por los Samurais en la lucha cuerpo a cuerpo.

La impermanencia palpable de esta ciudad invita a una reflexión desde la filosofía Mushin, relacionada con el Kintsugi, y una búsqueda del pathos/empatía del entorno hacia el Mono no aware, la amable tristeza de ver el paso inexorable de las cosas comprendiendo que este estado es una realidad permanente de la vida. El Tanto roto y reparado, pero ya inútil, habla de cicatrices y de aprendizaje desde el punto de vista del Samurai.

CLARA MONTOYA (Madrid, 1974)

RESIDENTE RAER 2015-2016

Trabaja con un amplio rango de técnicas y formatos siempre desde el punto de vista escultórico. Investiga las narraciones construidas en la ciencia y en la sociedad, ampliando y modificando la percepción del entorno a través de piezas modulares, acciones colectivas, metamorfosis matéricas. La experimentación es parte indispensable de su práctica artística.

Realizó estudios de BA en el Chelsea College Art y de MA en el Royal College of Art de Londres, donde recibió el galardón Thames and Hudson/RCA a la excelencia en escultura. Ha disfrutado de residencias, becas y premios entre los que destancan la Fundación Marcelino Botín, la Citè Internationale des Arts (París), The Cooper Union (Nueva York), la Real Academia de España en Roma y la Junge Akademie der Kunste (Berlín), propuesta por Mona Hatoum.

Ha expuesto en instituciones como el ADK (Branderburger Tor, Berlín) y el Kunstlerhaus Bethanien (Berlín), La Fundación Antonino y Cinia (Cerezales), CDAN (Huesca), el CCCC (Valencia), etc. Ha trabajado con las galerías F2, Vacio9, Slowtrack, Marta Cervera y colaborado con Formato Cómodo y Nieves Fernández, yendo a ferias como Liste, ALAC, MACO, ARCO, ArtCologne, y otras.

Sus obras se encuentran en las colecciones del Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía (Madrid), Colección de Arte Contemporáneo del Parlamento Europeo, CA2M (Madrid), Inelcom, Museum of Contemporary Art of Istanbul (Turquía), The Gfzk (Alemania), Seomi & Tuus Collection (Corea del Sur), Fundación Nirox (SA), Colecçao Madeira de dibujo (Portugal), la Colección Nacional de Arte Contemporáneo Español, la Fundación Marcelino Botín, el CAAC (Málaga), etc.

Vive y trabaja en Madrid, tiene su estudio en Proyecto Celesta, lugar que co-dirige.

http://www.claramontoya.com/

Fuimos. Escena “Contratiempo”

2018

Impresión digital s/ Hahnemüller adhesivado en plancha de aluminio

185 x 90 x 5 cm (con marco)

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Leire Mayendía

Es el título del proyecto realizado por Leire Mayendía durante su residencia en la Real Academia de España en Roma, con el cual propone una interpretación poética en torno al tango. El proyecto nace de un suceso fundamental en la crónica de dicho género: la extraordinaria sinergia entre las culturas que atraviesan sus orígenes y su historia, dándose cita en Argentina en las últimas décadas del siglo XIX y las primeras del XX. La cultura italiana dejó en ese proceso una huella fundamental, seguida de cerca por la española. La narrativa recorre siete escenas producidas en el salón de retratos de la Academia, antiguo salón de baile y de conciertos. Las escenas están elaboradas fotográfica y digitalmente en una dimensión de ‘puertas de entrada’ hacia una versión de pasado y en un espacio compartido. El diálogo con el presente viene de la mano de sus protagonistas, cuya presencia en la comunidad de tango actual es significativa desde alguna de sus facetas: la danza, la música, el baile social, la tradición o la escritura.

LEIRE MAYENDÍA (Bilbao, 1973)

RESIDENTE RAER 2017-2018

Artista visual, bailarina y músico de tango. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de escultura. Becada en The School of the Art Institute of Chicago y en la École Superieure des Beaux Arts de Paris. Ha sido artista residente en La Friche de Marsella y en Duende Gueststudio’s del Centrum Beeldende Kunst de Rotterdam.

Tras varios años en residencias artísticas por Europa, se establece en Madrid en 1999. Concibe la creatividad desde una conexión continua entre áreas, por lo que su estilo de trabajo recibe importantes influencias de disciplinas como la música y la danza. Su formación en tango argentino desde el año 2007 ha ido consolidándose hasta integrarse sólidamente en el ámbito profesional. En 2022 comisarió la exposición de partituras Atriles de tango en el Museo Casa de Goya (Fuendetodos). En los últimos años ha diseñado, actuado y musicalizado para eventos, pero, ante todo, ha alcanzado un complejo equilibrio entre las distintas formas de expresión por las que ha transitado su carrera artística.

https://leiremayendia.com/

Sucesión I 

1987

Talla directa de madera de cedro

90 x 45 x 45 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de B. Zubero

Forma parte de la serie “Páginas Separadas-Lecturas Encontradas” que inició en Roma durante el periodo de la beca en 1987. El proyecto de estudio y trabajo propuesto fueron los grupos escultóricos que desarrolló, mayormente en materias previas. Otras esculturas, hermanadas en esa evocación que dio nombre a la serie, se materializaron y así Sucesión I en su concepción de tótem y ejecución en el propio tronco de árbol encontró su forma de emblema y herencia como identidad de concepto.

ISABEL MARTÍNEZ MARÍN (Argecilla, 1952)

RESIDENTE RAER 1987

Se forma en la Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Madrid en Modelado, dibujo, talla y fotograbado (1976-1985). Obtiene la beca de escultura de la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas   Artes en Roma (1987). Equipara su trayectoria como artista plástico obteniendo una Maestría en Bellas Artes, acreditada por Career Consulting International, Sunrise FL (2009).

Le otorgan ayudas y premios como los concedidos por la Diputación de Guadalajara (1980), Ministerio de Cultura (1981), Ayuntamiento de Madrid (1982) y de Toledo (1984) y Fábrica Nacional de Moneda y Timbre (1986), entre otros.

Ha participado en muestras colectivas y mostrado su obra en exposiciones individuales como “Previo y Perdurable” Galería Chardón, UPRM, Mayagüez, Puerto Rico (2018); “La Carta” -Palabras en el tiempo- Casa de España, San Juan, Puerto Rico (2015); “Intemperies” Galería Víctor Martín, Madrid (1993).

En su trabajo expresa su visión artística desde la escultura, una escultura que narra, en formas abstractas pensamientos y teorías sobre el quehacer humano y su experiencia vital en el relacionarse con otros y en la línea temporal de las emociones. Las emociones, el mensaje, la palabra, los versos, son hilo conductor en su proceder.

https://www.isabelmartinez-escultura.com

Autorretrato de la post-ideología. La relación de confianza entre el individuo y el Estado

2020

Fotografía digital

80 x 130 x 4 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Jana Leo

En el “Villaggio della Solidarietà”, en via di Salone, no hay arquitectura ni paisaje. Voy al campo Nomadi, y en su vertedero hago el pino. Esto llama la atención de los que viven allí que salen y así empezamos a hablar. Nace Salone, una vida de contenedor, en la que una familia que llevaba decenas de años viviendo en Casilino 900, cuentan el antes y el después: la desubicación y el confinamiento. El estado destruyó las casas singulares que ellos se habían hecho y los trasladó en 2009 a contenedores en medio de la nada. Iban a ser seis meses, pero llevan once años en cajas de lata. El Estado, que es paternalista en el asistir, incapacita y resta más que da. La falta de cuidado y la seriación de este programa, que comienza en 2006 contrasta con la dignidad y la vitalidad de los que viven en él. Aún así, el contenedor impone un cambio no sólo en la cultura gitana sino también en los recursos con los que ganarse la vida. La vida no es un mero trámite.

https://vimeo.com/413992438

 JANA LEO (Madrid, 1965)

RESIDENTE RAER 2019 – 2020

Doctora en Filosofía y Letras, máster en Teoría del Arte y Estética por la Universidad Autónoma de Madrid y máster en Arquitectura por la Universidad de Princeton, es artista visual. Fue profesora de proyectos y de conceptos avanzados en Cooper Union, Nueva York, y ahora se dedica de forma exclusiva al arte. Es autora de El viaje sin distancia. Perversiones del tiempo, el espacio    y el dinero en la cultura contemporánea y de Rape New York donde dibuja el estado mental de una violación, publicado en UK por Book Works (2009), en EEUU por Feminist Press (2011) y traducido al español como Violación Nueva York por Lince en (2007). Ha expuesto en el Centro Internacional de Fotografía de Nueva York, en ARCO Madrid y en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Jana Leo crea la Fundación MoSis, modelos y sistemas; arte y ciudad en (2008) para analizar lo que considerándose errores son la consecuencia natural del sistema en el que se dan. Su obra muestra cómo la pobreza y el abuso se diseña. Documenta, con múltiples técnicas: escritura, vídeo creación, fotografía y arquitectura, su impacto en los individuos y el estado emocional que corre paralelo a los hechos.

Su obra de arte va de lo macro a lo micro, de lo factual a lo existencial y toca varios temas: Cuerpos personales y políticos que tiene que ver con la intimidad y las relaciones; contra el sistema, de carácter socio-político, sobre injusticias y corrupciones; y una última sobre la violencia machista.

https://janaleo.com/

Ce ne andiamo via

1994

Óleo, resina y fotografía sobre madera s/madera

24 x 55 x 5 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de B. Zubero.

La pintura de Pilar Insertis, como escribía F. Calvo Serraller en 1987, <tiene un fácil encuadre generacional, lo que significa que practica ese paisajismo filo romántico, tratado con técnicas expresionistas al que es tan aficionada últimamente la gran mayoría de los artistas jóvenes de nuestro país.

Este encuadramiento en un contexto preciso no ha desdibujado su posición personal, que tiene rasgos originales muy seductores. Posee una elegancia innata y unas dotes brillantes para armonizar el color, a lo cual añade un poder de dramatización muy sutil en el tratamiento de los detalles. Es esta combinación de buen gusto en intensos puntos de fuga líricos lo que, a mi modo de ver, potencia la tensión interior que se percibe en la mayor parte de sus cuadros y por la que irremisiblemente sentimos una atracción.

Por lo demás, sus símbolos -cuevas, cráteres, lagunas, etc.- y las agudas líneas, afiladas como cuchillas de los contornos, tanto más punzantes cuanto consiguen atravesar atmósferas cromáticas densas y un materismo bronco, nos llevan a las zonas inquietantes, turbulentas, misteriosas, de las ánimas y los ánimos hirvientes, a un universo pasional>.

PILAR INSERTIS (Madrid, 1959)

RESIDENTE RAER 1993-1994

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, pertenece a la generación de artistas que se dieron a conocer tras su participación en la exposición 1981-1986, Pintores y escultores españoles, celebrada en La Caixa. A partir de entonces fue asidua en numerosas exposiciones individuales y colectivas por Europa y Estados Unidos (Nürnberg Kunsthaus, Zolla Lieberman Gallery, Museo ICO, Fundación P. y J. Miró, J.D. Mooney Foundation, Raab Galerie, etc.), exponiendo con regularidad en la Galería Antonio Machón de Madrid y asistiendo con él a ferias internacionales como ARCO y Art Basel, entre otras.

En 1988 fue becada por la Comisión Fulbright y la Fundación Pollock-Krasner para residir en Nueva York, donde permaneció cuatro años realizando varias exposiciones individuales en Chicago, obteniendo siempre excelentes críticas.

En 1993, después de la experiencia americana, se trasladó a Roma con la beca MAEC-AECID de la Academia Española de Historia, Arqueología y Bellas Artes, donde residió un año.

A partir del año 2000 se interesó cada vez más por la tecnología digital y comenzó a incorporar la infografía, el vídeo artístico-documental y la impresión 3D a su producción.

Han prologado sus catálogos prestigiosos escritores y críticos de arte y ha sido galardonada con numerosos premios. Su obra está presente en colecciones tales como Banco de España, Colección AT&T (Chicago), Asamblea de Madrid, Colección Dove (Suiza), Museo ICO (Madrid), Fundación La Caixa (Barcelona), etc.

https://www.pilarinsertis.com/

Crowds series

2020

Collage con técnica mixta (papel, carboncillo, grafito, pastel) s/papel

150 x 300 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de B. Zubero

Una maraña de innumerables brazos y piernas, manos y pies. La enredadera sobre el papel se despliega en una masa de personas luchando, agarrando de la muñeca, flexionando o contorsionando las articulaciones para someter a alguien o liberarse de un agarre, jadeando desesperadamente por respirar en el estrecho espacio entre ellos. Los grupos son fuertes, están interrelacionados con el poder, pero también pueden oprimir, asfixiar o incluso avivar el miedo. Un grupo de personas organizado sistemáticamente se mueve como un solo cuerpo, pero si estalla el caos algunos acaban pisoteados. Uno puede perderse en una multitud, maravillosamente anónimo o supremamente aislado. Se trata de un tema inagotable, que vuelve una y otra vez en los dibujos de Susanna Inglada. Con su paleta de colores apagados y sus acentuados contornos negros, como los impresos de los periódicos antiguos, sus dibujos remiten tanto a situaciones históricas como al presente o al futuro. Una multitud evoca tantas asociaciones y significados -público en actos públicos, manifestaciones organizadas, políticos pendencieros, grupos de población que se lanzan al cuello de otros- que la imagen es universal y puede interpretarse de muchas maneras. Es un tema que está siempre en movimiento.

SUSANNA INGLADA (Banyeres del Penedés, 1983)

RESIDENTE RAER 2019 – 2020

Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Autónoma de Barcelona, ha sido becaria Erasmus en la Willem de Kooning Rotterdam, seguido de una maestría en Frank Mohr Institute Groningen.

Entre sus últimas exposiciones destacan instituciones de renombre como el Museo Coda (NL), el Museo Het Paleis Escher (NL), la Bienal Into Nature Drenthe (NL), Azkuna Zentroa (ES), BOZAR (BE), el Museo Dordrecht (NL), La Casa Encendida Madrid (ES), el Museo Folkwang (DE), Kunsthal Rotterdam (NL), Drawing Now Paris (FR), Centraal Musem Utrecht(NL), Stedelijk Museum Schidam (NL), Museo Kunstencentrum Ten Bogaerde (BE), entre otros.

Ha sido residente en HISK 2017-18, EKWC, Akademie Schloss Solitude (DE), Lottozero (IT), Halle 14 Spinnerei Leipzig (DE), Kunst and Complex (NL), La Embajada en Ciudad de México (MEX), Frans Masarell (BE), 18th Street Los Ángeles (USA) y Dordt Yart (NL).

Recientemente ha recibido el premio Montresso Marrakesh (MAR) Generación 2019 y el premio Scheffer del Museo Dordrecht.

Su praxis se centra en el análisis de las relaciones de poder, autoridad, corrupción, complicidad y desigualdad de género, en las que analiza la cultura y relación política entre Cataluña y España. Trabaja principalmente con instalaciones, configurando escenarios de personajes que se retuercen montados como una escenografía teatral en la que el público se entremezcla con sus actores.