PROGRAMA 2 – El tiempo compartido

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PROGRAMA 2

(Martes, jueves, sábado 17-21 hrs)

GRANDIOSA FANTASÍA

IRENE DE ANDRÉS (2021, 3´55´´)

La obra de Irene tiene como eje principal la evolución del concepto de ocio a lo largo de la historia y el propio significado del viaje, desde los primeros colonos hasta los tour operators. De Andrés pone especial atención en el siglo XVIII, cuando el mar se convierte en el nuevo objeto de deseo y comienza a gestarse el viaje turístico moderno. Tiempo después, algunos gobiernos otorgarían el derecho a vacaciones pagadas para la clase trabajadora. Es en respuesta a estos fenómenos que se desarrollan arquitecturas específicas como balnearios y cruceros, escenarios clave para la artista, que a través de piezas fílmicas, escultóricas u obra gráfica, conforma viajes a través del tiempo y por distintas aguas, conectando diversos hechos históricos que nos hacen reflexionar sobre el modelo de consumo turístico, el propio significado del viaje y nuestra relación con aquello que llamamos paisaje.

BIOGRAFÍA

Eivissa (Illes Balears), 1986. Vive y trabaja en Madrid. Se graduó en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid (2009) donde hizo un Máster de investigación y producción artística (2010). Ha sido una de las artistas residentes de la Escuela FLORA Ars+Natura de Bogotá (Programa de residencias artísticas AC/E 2016) y del programa The Harbor de Beta Local en San Juan de Puerto Rico (2017). En 2019 fue artista residente dentro del programa para Artistas Visuales del Centro de Residencias Matadero Madrid y ha sido una de las últimas becarias de la Academia de España en Roma en 2021.

Entre las becas y premios que ha recibido destacan el premio Generaciones de la Fundación Montemadrid, Circuitos de Artes Plásticas, el Premio Ciutat de Palma, las Ayudas a la Creación Audiovisual DKV-Es Baluard y las Becas de Creación Audiovisual del Programa Visiona de la Diputación de Huesca. Sus exposiciones individuales más recientes han tenido lugar en la Galería Juan Silió de Madrid, el Espai 13 de la Fundación Joan Miró de Barcelona, y en el Museo Patio Herreriano de Valladolid. El trabajo de Irene también ha podido verse en múltiples muestras colectivas en centros e instituciones como el MuHKA – Museo de Arte Contemporáneo de Amberes, en la Casa Encendida en Madrid, en la Trienal de Frestas de Sorocaba (Brasil), en Es Baluard – Museo de Arte Contemporáneo de Palma de Mallorca, en la galería Copperfield de Londres o en IFA Galerie en Berlín.

JOVEN Y CARMEN

BORJA SANTOMÉ (2019, 6′ 43″)

Joven y Carmen es un cortometraje de animación experimental que nos sumerge en la vida urbana de Roma y su periferia. A través de una serie de personajes esbozados que vagan por el lado más decadente e industrial de la ciudad, desarrollo un relato personal a medio camino entre lo
autobiográfico y la pura fantasía onírica.
En mi trabajo como cineasta, todo comienza con una imagen o una atmósfera que me obsesiona. A partir de esto desarrollo las escenas dejándome llevar por los personajes, objetos y paisajes como si fueran sonidos o elementos musicales. En muchos casos trabajo sin pararme a pensar
demasiado en la dimensión narrativa de las imágenes, dejando que sean ellas mismas las que hagan surgir metáforas y asociaciones interesantes que siempre acaban por hablar de mis experiencias personales de una forma extraña y confusa. El proceso en general consiste en superponer elementos que considero inquietantes o me interesan por alguna razón, fundiéndolos de una manera más o menos intuitiva, creando imágenes que son el resultado de pintar y borrar, buscando la asociación inesperada de elementos.

BIOGRAFÍA

Se gradúa en Bellas Artes en la Facultad de Pontevedra (2012/16), pasando por la Kingston University de Londres. Sus trabajos de animación experimental y pintura han estado presentes en exposiciones y festivales de cine tanto a nivel español como internacionalmente. En 2016 su cortometraje Rueda Cabeza gana el premio Planeta GZ en el Curtocircuito Festival Internacional de Cine y se proyecta en el BAFICI (Buenos Aires Festival de Cine Independiente). En 2018 su proyecto El Reloj gana el premio al mejor cortometraje de animación en el Festival de Cans y es invitado a participar en el Festival de Cine Europeo de Sevilla entre otros. En 2019 continua realizando proyectos de animación y pintura gracias a una beca de residencia artística en la Real Academia de España en Roma. Durante el 2020
realiza su cortometraje Hijos del Cuerdo en el Colegio de España en París gracias a la beca FormARTE de Artes Plásticas. Su sexto cortometraje Rumbo a Eleusis fue producido gracias al apoyo de la Embajada de España en Francia como parte del proyecto Ventana, participando en eventos como el Clermont-Ferrand International Short Film Festival, la exposición Walking, Running, Falling en la galería L21, o el EXIS Experimental Film and Video Festival de Seúl. Recientemente acaba de terminar su séptimo proyecto de animación titulado Alguén me Chamou Serpe Negra, que fue estrenado en el festival de videoarte PROYECTOR 2023 de la mano de la galería Arniches26 (Madrid) Vive y trabaja en París.

Los objetos amorosos

ADRIAN SILVESTRE (2016, 115′)

Luz viaja a Europa en busca de un futuro mejor para ella y su hijo, a quien ha dejado en Bogotá. En Roma, empieza instalándose en un postoletto: una habitación-patera para emigrantes que, como ella, sueñan con rehacer sus vidas. Luz empieza desde cero, trabajando como limpiadora en un hotel, con unas compañeras que se convierten en su conexión con el mundo. Todo fluye con normalidad hasta que, inesperadamente, conoce a Fran. Los Objetos Amorosos es una road movie sin coche, un viaje en el que Luz y Fran viven bajo sus propias reglas, en una Roma de postal que ya no es válida para la gente de otras latitudes.

BIOGRAFÍA

Director de cine, nacido en Valencia. Estudió Comunicación Audiovisual, Dirección de Cine e Historia del Arte Contemporáneo en Madrid, Roma y La Habana. Ha sido becario en la Real Academia de España en Roma y en la Casa de Velázquez. En sus películas, trabaja con intérpretes naturales a partir de sus propias vivencias, explorando los límites entre la realidad y la ficción. Los Objetos Amorosos, su ópera prima, tuvo un extenso recorrido y obtuvo numerosos premios como el FIPRESCI, en el Festival de Cine Europeo de Sevilla. Sedimentos , Premio Feroz 2022 (Arrebato de No Ficción), participa en BFI London FF, San Sebastian FF, Festival de Málaga, Thessaloniki (Special Jury Prize), Seattle FF, Gotemburgo, Cinespaña Toulouse (Mejor Documental), Outfest Los Angeles (Grand Jury Special Mention) y Newfest NY, entre otros. Tras su estreno en la sección oficial de Rotterdam, Mi Vacío y Yo gana la Biznaga de plata, Premio Especial del Jurado en el 25 Festival de Málaga , el Premio Maguey / Mejor Película en el 37 Festival de Guadalajara y una mención especial en el DA.

El establo / La stalla

Pedro G. Romero, Isaki Lacuesta y Stefan Voglsinger (2021, 8′ 53″)

Primer retrato del concierto que tuvo lugar en Roma, en San Pietro in Montorio de Bramante. Pieza videográfica a tres pantallas realizada por Isaki Lacuesta, Stephan Volksinger y Pedro G. Romero. Esta obra, además de poner en relieve la importancia del punto de vista no-antropomórfico – dedicando la acción a los animales y situando el concierto en uno de los más claros ejemplos del Renacimiento (periodo en el que se situó al hombre en el centro de un todo) – es un álbum de familia de todo el proyecto – Sacco/Cuadras/Establo/La Posada/Los caballos.

BIOGRAFÍA

(Aracena, 1964) opera como artista desde 1985. Funciona también como curador y comisario de exposiciones. Fue parte de UNIA arteypensamiento y miembro de la PRPC (Plataforma de Reflexión de Políticas Culturales) en Sevilla. Forma equipo de la pie.fmc (Plataforma Independiente de Estudios Flamencos Modernos y Contemporáneos). Participante en Documenta14 Atenas/Kassel y residente en la Academia de España en Roma. Colaborador habitual de la Sociedad flamenca El Dorado de Barcelona. Dirige la colección “Flamenco y cultura popular” en editorial Athenaica.Trabaja también con bailaores, cantaores y guitarristas flamencos (Israel Galván, Rocío Márquez, Tomás de Perrate, Niño de Elche, Sebastián Cruz, Javiera de la Fuente, Rosario Toledo, Leonor Leal, María Marín, Alfredo Lagos, etc.) En 2020 dirigió la película Nueve Sevillas y en 2022 el film Siete Jereles. Ha sido comisario de «Helios Gómez. Días de Ira» para la Virreina Centro de la Imagen de Barcelona y el Espacio Santa Clara de Sevilla y de «Coreografias, Bailes y danzas de Vicente Escudero» en el Centro Lorca de Granada, el Museo Patio Herreriano de Valladolid y el Espacio Santa Clara de Sevilla. En 2021 publica con la editorial Àrcadia Wittgenstein, los flamencos y los gitanos. El MNCARS presentó en 2022 una revisión de su trabajo bajo el título Máquinas de trovar. Recientemente, acaba de mostrar A de Archipiélago en Es Baluard de Palma de Mallorca y B de Bestiario en Peacok en Aberdeen, Escocia, prepara C de Canciones para la Bienal de Coimbra de 2024; como comisario, ha presentado «popular» en el IVAM de Valencia y ha finalizado el filme de caballo y guitarras este 2023.

Roma, 1974

BEATRIZ RUIBAL (2017, 28’08’’)

La beca de la Academia de España en Roma fue la oportunidad para desarrollar un proyecto que la artista tenía en mente desde que heredara una serie de películas en Súper 8 con grabaciones de miembros de la comunidad internacional de artistas e intelectuales que habitaron en el barrio del Trastevere, en Roma, en la década de los setenta. Esta película profundiza en la investigación estética en torno a la imposibilidad de recrear nitidamente, sin lagunas y carente de contaminación, la memoria afectiva que nos construye. Las películas las heredó de sus tíos Mercedes Ruibal y Agustín Pérez Bellas, pintores que tuvieron estudio en el Trastevere y que formaron parte de esa comunidad. A través de fotografías de los lugares, textos, entrevistas a diversos personajes, documentos de la época, testimonios y audiovisuales, Beatriz Ruibal trata de recuperar la memoria de esa comunidad formada por poetas, pintores, cineastas…, que jugaron un papel fundamental en la historia y la cultura italianas. Entre ellos, el poeta Rafael Alberti y la escritora María Teresa León, el pintor Carlo Quattruci, el pintor y escultor Alessandro Kokocinski, el cartero Peppe Militello, sus tíos …

BIOGRAFÍA

Artista visual. Trabaja con video, fotografía e instalación. Representó a España en el G20 Art Project, Bihar Museum, Patna, y National Museum, New Delhi, India, 2023, y es finalista en los Premios BMW de Arte Digital 2023. Ha sido premiada con la Beca Residencia Artística en el C3A, Córdoba, durante el periodo 23/24. Ha sido finalista a las Intervenciones artísticas del Consejo Europeo 2023. Entre otros reconocimientos: Ayudas para la Investigación, Creación y Producción Artística 2022
y Ayuda para la Promoción del Arte 2020, del Ministerio de Cultura. También recibió la ayuda a la Creación Audiovisual de la Comunidad de Madrid en el año 2019 y la Residencia Artística en la Academia de España en Roma durante los años 16/17. Su libro «Madre» fue finalista en PHotoEspaña 2015 y Athens PhotoFestival 2015.

Ha expuesto su obra recientemente en el Centre Pompidou 2023, Málaga; Panteón de España, PHE 2022; RAER, Roma 2022; Naves de Gamazo, Santander; y el Museo de Bellas Artes de Valencia en conmemoración del 150 aniversario de la Academia de España en Roma. Además, su obra se ha expuesto en centros de arte españoles como Matadero, Real Jardín Botánico, Casa Encendida, Canal de Isabel II, CBA , Banco Sabadell (Oviedo), MAC (A Coruña), Laboral
(Gijón); y en centros internacionales como CCEMiami, Miami; CCMEX, México DF; Museo Nacional de Bellas Artes; Casa de las Américas; Estudio 50, La Habana, Cuba; Ars Aevi, Sarajevo; y en numerosos festivales internacionales. Su obra figura en diferentes colecciones públicas y privadas www.beatrizruibal.com

BACIO ALL’ARIA

MARAL KEKEJIAN (2021, 2′ 57»)

Colaboradores de la pieza: Ronchi Fireworks, Pirotecnias Vulcano y Aleix Tobías. Video: Javi Álvarez.

Cámaras/camaradas: Toni Amengual , Irene de Andrés, Natividad Bermejo, Caterina Borrelli, Gadea Burgaz, Miguel Cabezas, Alan Carrasco, Gonzalo Golpe, Yeyei Gómez, María Luisa Sánchez, Rogelio López Cuenca, Pilar Montero, Virginia Morant, Bartolomé Quesada, Javier Quislant, Pablo Palacio, Carlos Pardo, Stefano di Pietro, Txuspo Poyo, Muriel Romero, Mar Sáez, Shirin Salehi, Marcela Sciaccaluga, Miguel Torres, Elo Vega y Leire Vergara.

Agradecimientos a: Ángeles Albert, Olmo Cuña, Sara García, Cristina Redondo y Angels Viladomiu. Bacio all´aria forma parte del proyecto «»URMA. Espacio público y paisaje contemporáneo en la ciudad de Roma”.

Bacio all´aria es un gesto cultural de amor repetido hacia la ciudad de Roma y sus habitantes. Un gesto poético de reunión visual pero en la distancia física de los cuerpos. Un gesto formal, una llamada pública lanzada al aire para todos desde cualquier lugar de Roma, sabiendo que hoy el elemento aire emite un mensaje virulento por su carácter propagador.

Durante 7 días consecutivos del verano de 2021, desde la Real Academia de España en Roma, situada en la Piazza San Pietro in Montorio, en la colina del Gianicolo, se lanzó una breve secuencia de fuegos artificiales que se repitió cada día a la misma hora.

Bacio all´aria es un proyecto basado en la continuidad y en la repetición, en los efectos en cadena, en el boca a boca entre vecinos para seguir pensando la ciudad como espacio de convivencia y para percibir el espacio público como lugar de construcción social y cultural. Y, como gesto poético, quiso ayudar a mitigar el desasosiego colectivo, el cansancio y la pérdida de nuevos referentes comunes, intentando, con prudencia, entender y practicar la construcción de nuevas tradiciones que acompañen a las viejas.

Esta cita, que se sumó a las acciones conmemorativas de los 150 años de la Real Academia de España en Roma, tuvo la vocación de celebrar el arte de estar juntos en una Roma, como la mayoría de las ciudades del mundo, afectada por la pandemia en 2020 y 2021. Bacio all´aria forma parte del proyecto «URMA. Espacio público y paisaje contemporáneo en la ciudad de Roma”. Un proyecto de Maral Kekejian, creadora y gestora de proyectos culturales, y becaria de la R.A.E.R.

BIOGRAFÍA

Actualmente realiza el programa cultural de Presidencia española del Consejo de la Unión Europea dentro del Gabinete de Presidencia de Gobierno, además este año ha sido directora de la representación española en la Cuatrienal de Praga de Escenografía y Espacio Escénico 2021-2023, INAEM, AC/E, AECID, RESAD e Instituto Cervantes. Es Coordinadora del módulo de Artes Escénicas y Música del Master de Gestión Cultural, UC3M de Madrid desde 2020. Comisaria para el Pabellón de España en Dubai de «Soledad. Creación y folclore contemporáneo» para AC/E en 2022 y además ha sido asesora de Artes Escénicas para la convocatoria PICE de AC/E en 2021 y 2022. Fue comisaria de las PICNIC SESSSIONS 2021, CA2M. Fue vocal de Teatro del Consejo Estatal de las Artes 2020-22 (INAEM). Durante cuatro (2016 -2019) fue la directora artística de Veranos de la Villa 2016 – 2019 del Ayto. Madrid. También directora artística de la campaña de Navidad / Cabalgata de Reyes de Ayto. Madrid (2015 – 2016). Además, fue directora del Área de Artes Escénicas en La Casa Encendida, Madrid, 2005-2014. Llevó la subdirección del Teatro Pradillo entre 2001-2005. Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid.

OBRAS EN PANTALLA

UN DÍA DE LABOR

TXUSPO POYO (20′ 53″, 2021)

Un día de labor es una grabación audiovisual que muestra varios hormigueros en la Vila Pamphilj en donde las hormigas transportan los nombres de los residentes de la promoción 2020-2021 de la Real Academia de Roma hasta el interior de sus hormigueros (nombres de los residentes de la promoción 2020-2021: Andrés, Irene de; Amengual, Toni; Bermejo, Natividad; Burgaz, Gadea; Carrasco, Alán de Andrés, Irene; García, Sara; Golpe, Gonzalo; Kekejian, Maral; Gómez, Yeyei; Morales, Cristina; Morant, Virginia; Pardo, Carlos; Poyo, Txuspo; Quislant, Javier; Romero, Muriel; Sáez, María Del Mar Salehi, Shirin; Torres, Miguel de; Vega, Elo; Vergara, Leire y Viladomiu, Mª Ángels.

BIOGRAFÍA

Desde los años 90, Txuspo Poyo ha seguido una cierta metodología procesal, con un sentido muy marcado del montaje, para trazar historias yuxtapuestas a partir de la investigación y análisis de ciertos acontecimientos generacionales en cruces híbridos. Estos van desde la serie de celuloides donde de construía películas para ejecutar tejidos con la imagen fílmica, al uso de la cámara Pixel visión como dispositivo de juguete pre-tecnológico; su objetivo, realizar un estudio documental sobre lo relacional en el comportamiento moral, de género, social y psíquico de los dibujos animados en la cultura occidental. Todas estas propuestas han ido generando relatos cuya tensión reside en imágenes cruzadas, tramas donde confluyen residuos históricos e inconclusos, junto a fragmentos del imaginario cultural tanto colectivo como individual, capturados de la historia, el mundo del cine, la arquitectura y la literatura de ciencia-ficción. Sus obras aportan una relectura de modos y modelos de producción y representación. https://txuspo-poyo.com

CIRCULAR

MANUEL SÁIZ (2009, 1′ 57″)

Manuel Saiz empezó a trabajar como artista en los primeros años 80. En 1989 representó a España en la Bienal de Sao Paulo con un grupo de esculturas y en 1990 tomó parte en Artificial Nature comisariada por Jeffrey Deitch en la Deste Foundation en Atenas.

Desde 1995 trabaja en video arte e instalaciones multimedia. En 1998 produjo Video Hacking, que recibió varios premios en festivales y que ha sido mostrado en multitud de programas nacionales e internacionales. En 2005 produjo Specialized Technicians Required: Being Luis Porcar, que consiguió el primer premio del Winterthur Kurtztfilm Festival y una mención honorifica en Transmediale06 (Berlín) y que se mostró en salas como el ICA de Londres o Intercommunication Center de Tokio. Otros trabajos han sido expuestos en Whitechappel gallery (Londres), Impakt Festival (Utrecht), el Museum of the Moving Image NYC, Matadero Madrid, London FF, Rotterdam FF, entre otros muchos.

En 2013 realizó su proyecto One True Art dentro del programa Fisuras del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid.

Ha comisariado proyectos de artista como Art Summer University (Tate Modern Londres), 25hrs (El Raval Barcelona) o videoDictionary (La Casa Encendida).

Ha publicado libros de artista y de teoría del arte, entre ellos recientemente El arte y el resto (Ed. Asimétricas) y Libro (Ed. Narrow Mind). En 2019 ganó el premio de ensayo Ciudad de Valencia con La resistible expansión del universo irónico (Ed. Pretextos).

PROGRAMA 1 – El tiempo compartido

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PROGRAMA 1

(De martes a domingo de 11:00 a 14:00 hrs)

EL ESTABLO / LA STALLA

PEDRO G. ROMERO, ISAKI LACUESTA Y STEFAN VOGLSINGER (2021, 8′ 53″)

BIOGRAFÍA

GARBATELLA

DAVID PÉREZ SAÑUDO (2022, 10′ 23»)

Fragmento del proyecto Garbatella. Ficción que experimenta con distintos formatos para representar vida y muerte en la ciudad de Roma. Una historia sobre la superación del duelo. Garbatella es el relato de un duelo silencioso en contraposición a un duelo hipervisibilizado. La pérdida de Xabier, estudiante fallecido en Roma durante su erasmus, ha marcado a un grupo de amigos/as que se reencuentra en Italia un año después del trágico suceso. Allí resiste Irene, que no ha regresado aún a su país de origen y que padece en silencio una tragedia mayor. Un duelo solitario motivado por circunstancias que no puede compartir con nadie. Reflexión fílmica a medio camino entre ficción y experimental, rodada en 16mm, Alexa, cámara doméstica y cámara termográfica.

Un grupo de jóvenes regresa a Roma un año después de realizar el erasmus. En la capital italiana sigue viviendo Irene, la única que tras la trágica muerte de Xabier (un estudiante vasco fallecido a finales del pasado curso académico) sigue viviendo en la ciudad. Durante un fin de semana, los amigos se reencuentran con el objetivo de homenajear a Xabier, de pedir justicia y reparación y, de paso, verse de nuevo. Entre los asistentes está Claire, la pareja de Xabier. Pero mientras ella recibe el mimo y la atención de todos los asistentes, Irene sufre el duelo en silencio. ¿Qué es lo que sabe Irene y no puede contar?

BIOGRAFÍA

Bilbao, 1987. Guionista y director cinematográfico. Con su ópera prima, Ane (2020), logró tres premios Goya y fue doblemente premiado en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Es autor de diez cortometrajes con los que ha logrado más de 100 premios internacionales, participando en festivales como Clermont-Ferrand, Varsovia, Sitges, Málaga, Gijón, Manchester, Brest o ZINEBI. Fue citado por la revista Variety como uno de los diez talentos emergentes del cine español. Es doctor en Comunicación Audiovisual y Publicidad por la Universidad Complutense de Madrid, con estancias doctorales en Université Paris IV-Sorbonne y en la Universidad del País Vasco. Actualmente es profesor de Realización de Ficción en la Universidad Carlos III de Madrid.

VELOCE VITA

DAVID MUÑOZ LÓPEZ (24′, 2016)

Roma, la ciudad eterna. Roma, el laberinto. Roma, ciudad de Vespas. Romanos montados en veloces Vespas, tan famosas como las pizzas. Rápidas, ruidosas, ágiles, llamativas, coloridas. Ciudadanos conectados que se mueven al ritmo de una gran capital europea. Que viven, se expresan, gritan, cantan, lloran, nos cuentan, desde su icónica Vespa.

BIOGRAFÍA

David Muñoz es cineasta con más de 100 premios en festivales de cine. Premio Goya al mejor cortometraje documental por Flores de Ruanda. Premio del Jurado en el Festival de Cine Documental de Al-Jazeera por La broma infinita. Su documental Otra Noche en la Tierra obtuvo el Premio Fipresci en DOK Leipzig, así como la Biznaga de Plata, Premio al Mejor Documental en el Festival de Málaga y el Premio Presidencial de la NHK, televisión pública japonesa. Sus cortometrajes A propósito de Ndugu y El Juego del Escondite participaron la Sección Oficial de la Berlinale.

Dance Rome Rise

Javier Cardenete (2014, 7′ 41»)

¿Cómo te sentirías si supieras que en tres días es el fin del mundo? Si de pronto supieras que todo lo que conoces y amas desaparecerá en tres días. Si de repente tomaras conciencia de que eres un cúmulo de átomos que siempre han estado ahí. Si encontrases un muro, una barrera que te aísla de todo lo que consideras que es tu vida o que te hace como persona y tu cuerpo queda del otro lado. ¿Qué harías?¿Cómo lo expresarías?

BIOGRAFÍA

Nacido en Madrid; Máster en Comunicación Audiovisual por la Universidad Complutense de Madrid. Realizador, productor y diseñador multimedia con más de 15 años de experiencia profesional en los campos de la fotografía, el diseño, la comunicación, la prensa, la televisión, la producción cinematográfica y la dirección de cine. Experiencia trabajando como freelance y para proyectos específicos que incluyen documentales, vídeos comerciales y medios sociales para clientes públicos y privados. Becado por la Real Academia Española en Roma con la residencia artística de cine en 2013/14. Tras desarrollar diferentes proyectos relacionados con la industria del cine pasé a ser funcionaria como asistente de información y comunicación para la Comisión Europea, y actualmente, como asistente de planificación horizontal y plataformas en el Comité Europeo de las Regiones
Filmografía: 2019: Los Viajes; Cortometraje. 2014: Dance, Rome Raise; videodanza, Roma, Italia; 58 ore de întoarcere; cortometraje documental. 2013: Lofts; videodanza Incluyete; cortometraje documental. 2012: Mujer Asiste 2; mediometraje documental.
Ârrete; cortometraje. 2011: Yo Creyera Para No Creer, videodanza; Mujer Asiste; cortometraje documental. 2010: Los Mundos Lisérgicos; cortometraje de ficción/videodanza Cartas; proyecto de videocreación, 2 temporadas. 2009: FIN (de todas las prohibiciones); cortometraje. 2008: Videoclip; Street Tape-Metrópolis. 2005: Comedores de esperanzat; cortometraje documental.

ROMA, 1974

BEATRIZ RUIBAL (2017, 28’08’’)

BIOGRAFÍA

IN QUALCHE LUOGO LONTANO: ROMA

LEIRE VERGARA (2021, 13′ 44»)

AUTORÍA COMPARTIDA CON USUA ARGOMANIZ, MATIAS ERCOLE, GIOVANNI IMPELLIZZIERI, OLMOPÍA, ALICE PENCONI, CECILIA SPETIA, MARCELA SZURKALO

“Costruiamo una città a dimenisone donna”. Este mensaje inscrito en un banner histórico del Movimiento Feminista Napolitano es el punto de partida de la película In qualche luogo lontano: Roma. Un grupo de mujeres de distintas generaciones portan el banner y atraviesan el salón de actos de la Academia de España en Roma el pasado mes de mayo. La acción da termino a la presentación de las comisarias e investigadoras Giulia Damiani, Sara Giannini y Arnisa Zeqo sobre la producción fílmica y el legado del colectivo Le Nemesiache dentro del programa Space Is The Place/The Place Is Space de Bulegoa z/b. Bruna y Marea integrantes históricas del colectivo ayudan a sujetar la pancarta.

“Una città a dimensione donna” es una imagen utópica, una reivindicación de trasformación política y social del lugar que habitamos en el presente, también una reivindicación de cambio de los modos de vida en el futuro.

La película In qualche luogo lontano: Roma muestra el intento de imaginar este espacio por venir sobre la ciudad de Roma a partir de un proceso de improvisación y experimentación colectivo. El filme es una obra de autoría compartida que indaga en gestos de resistencia del pasado (textos, imágenes, canciones, acciones y luchas colectivas) algunas de ellas invisibilizadas por la historia, para proyectar la urgencia de un cambio en el presente. Pasado, presente y futuro cohabitan en el film, las historias se cruzan, como se enlazan también la imagen y el sonido. El Libro de la ciudad de las damas de Christine Pizan, un alegato utópico de 1405, irrumpe intempestivamente sobre la historia de la fábrica textil Snia Viscosa, una de las mayores fábricas de Italia de seda artificial, abierta en 1922 y cerrada en 1954.

La historia del capitalismo moderno se lee desde la división entre el fordismo y el postfordismo, términos sujetos a la historia de la industria automovilística y su desmantelamiento en occidente. ¿Cómo narrar entonces el término de la industria textil en la que trabajaban principalmente mujeres y que en la ciudad de Roma trajo consigo una de las mayores olas de inmigración estatal en el pasado siglo? ¿qué tipo de paradigma social, político y económico se produjo con el desmantelamiento de la producción textil y posterior externalización fuera de occidente?

In qualche luogo lontano: Roma muestra la necesidad de generar nuevas imágenes que nos ayuden a entender el presente al mismo tiempo que se pregunta cómo cambiar el propio medio fílmico.

El filme está dedicado a los árboles y la vegetación que violentamente fueron dañados en la primavera de 2021 en los terrenos donde todavía se encuentran las ruinas de la fábrica Snia Viscosa.

BIOGRAFÍA

Leire Vergara es doctora en Visual Cultures (Goldsmiths College University of London), comisaria, escritora, docente e integrante de la oficina de arte y conocimiento Bulegoa z/b (Bilbao). Entre las numerosas exposiciones y ciclos que ha comisariado destacan: In qualche luogo lontano: Roma (Academia de España en Roma, 2021); La pantalla negra o blanca: el poder de ver imágenes juntos (Ca2M, 2016) o Dispositivos del tocar: Imaginación curatorial en los tiempos de las fronteras expandidas (Trankat, Tetuán, 2015). Entre 2005 y 2009 fue comisaria-jefe en la Sala Rekalde y anteriormente codirigió, junto a Peio Aguirre, DAE-Donostiako Arte Ekinbideak, proyecto asociado a Arteleku. Actualmente es profesora en el Dutch Art Institute, University of the Arts (Arnhem). En 2020-2021, recibió la beca MAEC-AECID en la Academia de España en Roma.

Lembranza

ALBERTO DÍAZ (2016, 21’40»)

Lembranza se adueña de los recuerdos de una historia familiar de artistas y desde la intimidad, proponer un ensayo sobre el tiempo, la memoria y la imagen. Sus relaciones, gestos y condiciones en un discurso esencial sobre el arte cinematográfico. Un trabajo en el que a partir de ciertos fragmentos familiares encontrados, recuperados y rescatados de viejos rollos de Super 8, se ha sometido a prueba principios de la imagen introspectiva, aquella almacenada en nuestra conciencia. La relación del “yo” establecida con la imagen cinematográfica y como aquella “verdad” del cine nos acerca a la realidad de un mundo ligado entre pasado, presente y futuro.

un proyecto realizado por Alberto Díaz López como artista en residencia en la Real Academia de España en Roma, Mª Pilar López Ferráz, Jesus Díaz Gómez, Isabel Díaz Gómez, Claudino Garriga Rubín, Isabel Ferraz Moreno, Jesús Díaz López, Mª Visitación Gómez Losada, Dolina Garriga Díaz, Caterina Garriga Díaz, Jesús Antonio Díaz López, fotografía, macro-pinturas y grafismos Ana daganzo, montaje y postproducción de imagen Al Díaz, operadores de Super8 en el tiempo Jesus Díaz Claudino Garriga, música y postproducción de sonido Luis Hernaiz, distribución Alicia Albares, idea, guión y dirección Al Díaz

BIOGRAFÍA

(Bóveda, 1984) es Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Universidad Rey Juan Carlos y posee un máster europeo en Estudios sobre Cine. En aquel momento realiza su primer cortometraje Stringless. Recientemente ha realizado un taller de Cine Autorreferencial en la Escuela Internacional de Cine de San Antonio de los Baños (Cuba) gracias a una beca concedida por la SGAE.
Actualmente, está trabajando en el guión y en el desarrollo de su primer largometraje: Mirlo Blanco, que es una reflexión meta-lingüística sobre el arte cinematográfico.Acaba de comenzar la distribución de un cortometraje de época situado en Galicia: A rabia, Entre sus proyectos como guionista, director y productor suma más de 2000 selecciones y 350 premios internacionales. Siempre en el triángulo de lo poético, lo sensorial y lo filosófico. Además, ha disfrutado como artista en residencia de una de las becas más importantes de arte contemporáneo nacional en la Real Academia de España en Roma para la creación de un ensayo documental de título Lembranza y consiguió una de las cinco becas talento de la AGADIC para la creación del su último cortometraje: Exhalación. Asimismo, como productor, la Comunidad de Madrid le ha concedido tres subvenciones consecutivas para proyectos de cortometraje: Madres de Luna (2016), Invierno en Europa (2017) y La tercera parte (2018) y la AGADIC y el ICAAotras dos en calidad de productor y director del cortometraje A rabia (2022). Es productor de cinco largometrajes Dos Amigos, Invierno en Europa, The Book, A diente de perro (estrenado en el festival de Sevilla) y Welcome to ma Maison (estrenado y premiado en el festival de Gijón).
A rabia (2023), Exhalación (2018), Lembranza (2017), Gesten (2017), Vortex (2015), Amphibia (2014), Malleus Meleficarum (2014), Stringless (2013), Regresión (2006), Número 47 (2006) Cinematógrafo Infantil (2005)

DĬĒS

MURIEL ROMERO (2021, 8′ 40»)

DIRECTOR: STEFANO DI PIETRO. MÚSICA Y SONIFICACION INTERACTIVA:PABLO PALACIO

Un proyecto de Muriel Romero con el apoyo de la Real Academia de España en Roma. Esta película es parte de Resonancias Ocultas, un proyecto que incluye una investigación sobre captura de movimiento e inteligencia artificial, una actuación en vivo con sonificación interactiva y esta película.

Un momento no existe en el tiempo, es una fracción artificial extrapolada de un continuo. El arte pretende captar esos momentos y por eso, como en la creación de una escultura, nos recuerda que hubo vida y por lo tanto representa también la muerte. Dĭēs es una película que combina danza, música y escultura en el Tempietto del Bramante, un templo que constituye una obra maestra del Renacimiento en Roma. Entrar en un templo es cruzar un umbral que simboliza el paso de lo conocido a lo desconocido, de la luz de la conciencia a la oscuridad del inconsciente, una dimensión atemporal en la que residen las dinámicas fuerzas creativas del individuo.

Producción Real Academia de España en Roma & STOCOS

Director Stefano Di Pietro- Coreógrafia Muriel Romero- Guión Muriel Romero, Pablo Palacio, Stefano Di Prieto. Compositor Pablo Palacio. Intérpretes Muriel Romero Alicia Narejos Teresa Garzón. DOP Giulio Bottini. Edición Daniel Rodrigues Correia. Gaffer/Asistente de Producción Marco Rivolta. Operador de drones Stefano Di Pietro. Composición Interactiva, Mezcla y Masterización Pablo Palacio. Diseño de Vestuario Estudio Buj. MUA y Peluquería Raimondo Santiprosperi. Fotografía de backstage Marcela Sciaccaluga. Apoya: MAEC- Academia de España en Roma, Mercat de les Flores, Union Europea (H2020), Motion Bank, Coventry Center for Contemporary Dance Research, Comunidad de Madrid, INAEM, Etopia Centro de Arte y Tecnología, Instituto Stocos. La música de la película de Pablo Palacio es completamente sintética y combina la composición electroacústica con la sonificación interactiva del movimiento, gracias a un sistema de sensores portátil especialmente diseñado para este proyecto que permite traducir los movimientos de la danza en sonido en tiempo real.

BIOGRAFÍA

Murcia 1972. Es bailarina y coreógrafa. Su trabajo se centra en el desarrollo de técnicas coreográficas generativas, incorporando en su lenguaje abstracciones tomadas de otras disciplinas como la música, matemática e inteligencia artificial. Ha obtenido diversos premios internacionales tales como los premios del público y de la crítica en Moscow International Ballet Competition, Prix de la Fondation de Paris en Prix de Lausanne y 1º Premio de Danza Ciudad de Barcelona. Ha sido primera solista de prestigiosas compañías entre las que se cuentan Deutsche Oper Berlin, Dresden Semper Oper Ballet, Bayerisches Staatsballet Munchen, Gran Théatre de Genéve o Compañia Nacional de Danza. En su andadura ha trabajado con destacados coreógrafos de nuestro tiempo como W. Forsythe, J.Kylian, Nacho Duato, Ohad Naharin, Saburo Teshigawara y Cisco Aznar. En 2008 funda Instituto Stocos junto al compositor Pablo Palacio, un proyecto basado en el análisis y el desarrollo de la interacción entre gesto corporal, sonido e imaginería visual. Con este proyecto ha producido una serie de trabajos escénicos que funcionan como una forma de diseminación artística de su investigación, la cual ha sido apoyada por Unión Europea tanto en programas de cultura como Industria comunicación y Tecnología dentro del programa Horizonte 2020.

VELOCE VITA

DAVID MUÑOZ LÓPEZ (24′, 2016)

BIOGRAFÍA

Il linguaggio del corpo

JOAN MOREY (2015, 34′ 20″) (preview)

IL LINGUAGGIO DEL CORPO es un proyecto de Joan Morey centrado en la representación del cuerpo humano en la escultura clásica y su transferencia al medio en vivo de la performance. La obra se desarrolló en una performance en tres actos de una hora cada uno concebida para diferentes ubicaciones dentro de y alrededor de la Real Academia de España en Roma. Sin presencia de público, los intérpretes siguieron las instrucciones del artista, ausente en cada ocasión, mientras un equipo de filmación documentaba cada performance. Tanto los intérpretes como el equipo de filmación debían adherirse a un manifiesto en forma de lista. Esta directriz estaba basada en el No Manifesto (1965), en el que la bailarina y coreógrafa Yvonne Rainer reducía la danza a su esencia por la vía negativa: «No al espectáculo. No al virtuosismo.» La obra derivada es un tríptico de vídeo en tres canales sincronizados. En esta ocasión se presenta una versión monocanal de la obra que sigue la cronología: IL LINGUAGGIO DEL CORPO (Berniniana) en el Tempietto del Bramante; IL LINGUAGGIO DEL CORPO (Le Fontane) en las salas de exposición de la academia y IL LINGUAGGIO DEL CORPO (Belvedere) en el salón de los retratos de la academia.

BIOGRAFÍA

(Mallorca, 1972), licenciado y DEA en bellas artes por la Universidad de Barcelona. Durante su trayectoria artística ha producido un extenso conjunto de performances, vídeos, instalaciones y obras sonoras y gráficas que, desde finales de los años noventa, explora la intersección entre teatro, cine, filosofía, sexualidad y subjetividad. Su práctica aúna tres géneros fundamentales del arte contemporáneo: la performance (a través de escenarios que se desarrollan en el tiempo, en las que habitualmente participan cuerpos humanos y el propio público), la apropiación (tomando y reformulando textos, formas y estilos existentes, ya sea de fuentes literarias, clásicas o de la subcultura) y la crítica institucional (con la que examina y aborda las ideologías y el poder de nuestras instituciones sociales, culturales y políticas). Ha realizado proyectos y exposiciones individuales y colectivas en museos, centros de arte, galerías e instituciones públicas y privadas. Destaca el ciclo de exposiciones individuales COLAPSO. Máquina célibe en el Casal Solleric (Palma de Mallorca, 2020); COLAPSO. Máquina de representación en el Claustro de San Agustín. Museo de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá, 2019-2020); COLAPSO. Máquina deseante, máquina de trabajo en el Centro de Arte Contemporáneo de Barcelona – Fabra i Coats (Barcelona, 2018) o la performance site-specific COLAPSO. Máquina esquizofrénica en la antigua prisión celular de Barcelona, la Modelo (Barcelona, 2019).

AUSPICIO PALATINO

(PRE-MONTAJE DE ESCENA)

MARÍA GISÈLE ROYO BARRERA (2018, 7’40»)

Este ensayo documental nos adentra en un fascinante viaje de autodescubrimiento y conexión con la naturaleza a través de los ojos de María, una residente de la Academia de España en Roma, que gracias al ambiente de conexión y la seguridad que genera la residencia artística, se enfrenta a los recuerdos traumáticos de su pasado. Su búsqueda de respuestas le trajo a Roma a explorar los misterios de los augures, antiguos observadores de patrones en la naturaleza.

El documental combina imágenes de la vida real que capturan el proceso de sanación y renacer de María, con la documentación de su investigación histórica a través de entrevistas directas en visitas a templos, inscripciones en piedra, una biblioteca de libros raros, un museo y hasta una tumba de augures. El patrón oculto en su pasado emerge a través de los pasos de un ejercicio actoral llevado a cabo por otra residente de la academia, Julia de Castro, arrojando luz sobre una relación de maltrato psicológico de género que llevó a María al aislamiento y la disociación.

El misterio se profundiza cuando un árbol cae frente a su estudio en Roma, desencadenando una búsqueda diaria en las raíces que revela
secretos ocultos. ¿Es la naturaleza la que está enviando mensajes o simplemente la necesidad de aprender a descifrarlos. Las dos búsquedas se solapan con la gran marcha feminista del 8 de Marzo de 2018, que desencadena una Auspicia Pública inédita, realizada exclusivamente por mujeres, para conmemorar el Auspicio fundacional de Roma, la ciudad donde para muchos se regularizó el Patriarcado. «AUSPICIA”» es un viaje emocional y espiritual que invita al espectador a reflexionar sobre la conexión entre la naturaleza, la intuición y el poder de la comunidad en la búsqueda de respuestas y de sanación.

BIOGRAFÍA

Directora, productora y montadora de documentales. Licenciada en Comunicación Audiovisual, obtuvo un máster en en el City College de Nueva York, gracias a una beca Fulbright. Residente en la Academia de España en Roma. Ha dirigido los documentales «Redescubriendo a Pape», que recibió un Student Academy Award y un College Student Award, «Educación sin Fronteras» y «La Invisible» (seleccionado en el ciclo «Dirigido por Mujeres España 2021″), su primer largometraje de ficción está en fase de post-producción. Actualmente es también profesora de cine en Catalyst Institute for Creative Arts and Technology de Berlín.

OBRAS EN PANTALLA

UN DÍA DE LABOR

TXUSPO POYO (20′ 53″, 2021)

BIOGRAFÍA

CIRCULAR

MANUEL SÁIZ (2009, 1′ 57″)

En 2013 realizó su proyecto One True Art dentro del programa Fisuras del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia de Madrid.

Ha comisariado proyectos de artista como Art Summer University (Tate Modern Londres), 25hrs (El Raval Barcelona) o videoDictionary (La Casa Encendida).