PAULA ANTA – Roma, Siempre Roma

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Edera 12

2012

Fotografía C-Print, inyección de tintas pigmentadas s/papel RC

145 x 120 cm

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Paula Anta

 

Edera conforma una serie de fotografías de instalaciones realizadas con hiedras artificiales pintadas con acrílico negro en distintos espacios históricos de la ciudad de Roma, en este caso, en San Carlo alle Quattro Fontane. La serie trata sobre la invasión del espacio por parte de lo sutil de las formas. La invasión de la naturaleza sigue un orden de arquitectura, una forma orgánica de la propia estructura. La elección del color negro tiene su significado. En este caso, no tiene nada que ver con una simbología del color, sino más bien con la relación entre la luz como otorgadora de existencia a los objetos: sin luz, desaparecen. La fotografía igualmente se debe a la deposición de luz sobre una superficie. La no luz, la oscuridad, crea aparentemente la desaparición de la realidad. Es por ello la elección del color negro, mostrando una contradicción entre la existencia y la desaparición de la realidad a través de la naturaleza del medio fotográfico y el fenómeno que la hace existir.


PAULA ANTA (Madrid, 1977)

RESIDENTE RAER 2011-2012

Doctora cum laude en Bellas Artes por la UCM, realiza el Doctorado Europeo en colaboración con la Akademie der Künste de Berlín y la Universidad de Saarbrücken. Ha recibido múltiples premios por su notoria trayectoria en el mundo de la producción artística entre los que destaca el XXI Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid, el XI Premio de Fotografía Pilar Citoler o el Premio de Fotografía Contemporánea Consell de Mallorca. Dentro de las becas destacan, por la relevancia que han tenido en su producción artística, la beca MAEC-AECID de la Real Academia de España en Roma (2011-2012), la del Colegio de España en París o la Beca Transversia en Senegal de la Fundación Ankaria.

Ha expuesto en la antigua Residencia de los Embajadores de España (Washington D.C. USA), Art D’Egypt (El Cairo, Egipto), Bienal de Dakar (Dakar, Senegal) o en el Nobel Prize Museum (Estocolmo, Suecia). En España, su trabajo se ha mostrado en Tabacalera, CA2M, Real Jardín Botánico, Círculo de Bellas Artes de Madrid, CCCB de Barcelona, Centro Sa Nostra de Palma de Mallorca, Laboral de Gijón, Centro Niemeyer de Avilés o el DA2 de Salamanca, entre otros. Paula Anta combina la imagen fotográfica con la instalación, y suele trabajar en series a partir de argumentos que luego desarrolla in situ a modo de escenificaciones. Su obra trata sobre la relación que divide y une a la vez lo natural con lo artificial, llevando la naturaleza más allá de sus posibilidades reales y mostrando el significado de cada paisaje como un hecho cultural en sí mismo.

www.paulaanta.com/

IRMA ÁLVAREZ-LAVIADA – Roma, Siempre Roma

Irma Álvarez-Laviada, Idea as Model 2 (I), 2020. Cartulina y cartón. Propiedad de la artista

 

 

 

 

 

 

 

 

Idea as Model 2 (I)

2020

Cartulina s/cartón

107 x 76 x 4 cm

Propiedad de la artista

Cortesía de Luis Adelantado Valencia

Fotografía de David Zarzoso

 

Irma Álvarez-Laviada, Idea as Model 2 (IV), 2020. Cartulina y cartón. Propiedad de la artista

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Idea as Model 2 (IV)

2020

Cartulina s/cartón

107 x 76 x 4 cm

Propiedad de la artista

Cortesía de Luis Adelantado Valencia

Fotografía de David Zarzoso

 

Ambas piezas pertenecen al proyecto Idea as Model, título tomado de la exposición que en 1976 tuvo lugar en el Institute for Architecture and Urban Studies de Nueva York; en ella el arquitecto Peter Eisenman presentó su maqueta axonométrica: una investigación teórica sobre el papel de la maqueta como expresión de la arquitectura con independencia de su finalidad en la que «Eisenman tenía la intención de demostrar la tesis de que la maqueta podía ser algo más que el simple registro de un proyecto y que, al igual que los dibujos de arquitectura, su existencia podía considerarse con independencia del proyecto que representara. Eisenman reivindicaba así la maqueta conceptual con autonomía, como parte del proceso de diseño, en oposición a esta como herramienta».  Concretamente estas dos obras podrían ser el boceto o el trabajo preparatorio de una pieza escultórica de gran formato que constituye el eje central del proyecto; así, ambos collage se componen tomando como referencia los engranajes y piezas de unión de esa escultura para formalizar una especie de mecanos que, como si de un juego se tratara propone un camino de ida y vuelta del boceto a la obra y de la obra al boceto.


IRMA ÁLVAREZ-LAVIADA (Gijón, 1978)

RESIDENTE RAER 2011-2012

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Vigo, vive y trabaja en Madrid. Su trabajo ha sido exhibido tanto en España como en el resto de Europa, así como en Seúl, EEUU, Puerto Rico o México. Ha sido becada por Cajastur, la Residencia de Estudiantes de Madrid o el Colegio de España en París. En el año 2012, obtiene la beca de la Real Academia de España en Roma y, en 2014, la de la Casa de Velázquez. En 2017, recibe una beca para desarrollo de proyectos artísticos de la Fundación Marcelino Botín; este mismo año, el Ministerio de Cultura francés (Culturefrance) le otorga una beca de Residencia en la Cité Internationale des Arts de París.

Durante el último período ha expuesto individualmente en la Galería Luis Adelantado (Valencia), la Fundación RAC y la Cidade da Cultura de Santiago de Compostela (Galicia) y en la Fundación Cerezales (León). Este año ha participado en muestras internacionales en el Centre Bel Ordinarie de Pau (Francia), en Estudio 50 de La Habana (Cuba) y en el Centre Pompidou de Málaga. Actualmente prepara una muestra individual para el Museo de BBAA de Asturias.

En su praxis aborda la idea del vacío, concentrándose no sólo en lo que vemos, sino en aquello que no está presente, pero no por eso deja de ser ‘visible’, y haciendo un especial hincapié en la forma en la que se presenta la obra, así como en la jerarquía misma de los materiales y los sistemas y procesos por los que la obra navega antes de ser vista y entendida como arte.

La artista enfoca su mirada no en aquello que vemos como ‘terminado’ sino en todos esos momentos transitorios del proceso creativo, dando visibilidad a todo lo que suele escondérsele al espectador, logrando así articular obras ‘dialécticas’, que son en sí mismas pero que, a la vez, contienen todas las narrativas de lo que fueron o de lo que vino antes que ellas.

https://www.irmaalvarezlaviada.com/

GRETA ALFARO – Roma, Siempre Roma

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El cataclismo nos alcanzará impávidos #4

2015

Fotografía a color, inyección de tintas pigmentadas de conservación s/papel Ilford Smooth Pearl

64 x 94 cm.

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Greta Alfaro

 

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El cataclismo nos alcanzará impávidos #5

2015

Fotografía a color, inyección de tintas pigmentadas de conservación s/papel Ilford Smooth Pearl

32 x 46 cm.

Obra perteneciente a la colección RAER

Fotografía de Greta Alfaro

 

Atrapados entre el placer y la repugnancia, somos testigos de la interacción de un hombre desnudo con un ostentoso bodegón barroco. De manera lenta, exquisita y exasperante, las escenas avanzan desde la ambigüedad hasta lo explícitamente sexual. Todos los estratos de la naturaleza, muertos y sometidos al humano, son violentados en un acto sin placer ni conclusión otra que la destrucción.

El cataclismo nos alcanzará impávidos es una alegoría del deseo insaciable que provocan el consumismo y los media, del exceso que caracteriza a la sociedad contemporánea, y de las desigualdades, el abuso de poder y la catástrofe ecológica y humana llevada a cabo por el hombre.

El proyecto consta de una pieza de vídeo de media hora de duración, una instalación con smartphones y una serie de fotografías. Fiel a la tradición de la naturaleza muerta, estas imágenes muestran más de lo que se revela al ojo, puesto que han sido tomadas después de que el actor haya interactuado con ellas.


GRETA ALFARO (Pamplona, 1977)

RESIDENTE RAER 2014-2015

Artista visual, licenciada en BBAA por la Universidad Politécnica de Valencia y Máster en Fotografía en el Royal College of Art, Londres.

Ha recibido los premios y becas de Carapelli, Unicaja, Generaciones, El Cultural de Fotografía, o la Fundación BBVA. Ha sido artista residente en Glynn Vivian Art Gallery en Gales, Gobierno de México, Academia de España en Roma, Casa de Velázquez, BilbaoArte y Programa Landarte.

Entre sus exposiciones individuales destacan las celebradas en el ExTeresa en Ciudad de México 2012, Museum of Contemporary Art Hiroshima, Japón 2013, Artium, Vitoria-Gasteiz 2014, Flint Institute of Arts, Michigan 2015, La Gallera (Consorci de Museus de la Generalitat Valenciana) 2016, Universidad Miguel Hernández, Elche 2020, Galería Cooke-Latham, Londres 2021. Expone regularmente en la Galería Rosa Santos en Valencia y Madrid. Ha realizado proyectos site-specific en Londres con Genesis Foundation en 2012 y con Roaming Room en 2019.

Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en lugares como Whitechapel Gallery, Institute of Contemporary Art y Saatchi Gallery en Londres, Centro Cultural Banco do Brasil en Brasilia, Bass Museum of Art Miami; La Conciergerie en París, Künstlerhaus Bethanien Berlín, Centre d’Arts Santa Mònica en Barcelona, Museo de Navarra, La Casa Encendida y Centro Conde Duque en Madrid, y en festivales como el International Film Festival Rotterdam 2011.

Actualmente es vocal del Patronato del Centro Huarte de Arte Contemporáneo de Navarra.

CARLA BOSERMAN – Processi 150 (ilustraciones)

SOBRE CARLA BOSERMAN


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Es artista, docente e investigadora.

Desarrolla proyectos donde el dibujo se vincula al territorio, la memoria y la comunidad. Dibuja en directo y en contexto. Acuñó el término relatograma para definir un modo concreto de hacer relatoría gráfica. Ha dibujado en contextos de experimentación social, memoria vecinal y en comunidades de pastoreo. Ha participado en espacios sensibles a las prácticas colaborativas y de aprendizaje como la Red de Arquitecturas Colectivas, MediaLab Prado, el CCCBLab, o el Museo Vostell Malpartida, entre otros. Ha sido profesora y coordinadora del departamento de arte en BAU – Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona, artista residente en La Escocesa y en Hangar.org. Su tesis doctoral es una reflexión crítica sobre su práctica de dibujo en la que se acerca a la etnografía. Ha dibujado para el libro de Marina Monsonís La cocina situada (Gustavo Gili, 2021). Forma parte del grupo Investigación, Arte y Universidad: Documentos para un debate de la Facultad de la Facultad de Bellas Artes UCM. 

@carlaboserman

www.carlaboserman.net